Beoordelingen | April 2024

New England Ballet Theatre of Connecticut. Foto door Jeff Holcombe.

26-28 september 2020.
Online op onstagedanceco.com

Een betekenisvol aspect van kunst is hoe het mensen een stem kan geven, een ruimte om zich te uiten en hun ervaringen te delen. Iemands stem kunnen laten horen is ook een belangrijke manier om mensen in hun kracht te zetten. Beide OnStage Dance Dance Company (Malden, MA) en Nozama Dance Collective (Boston, MA) hebben mensen empowered door middel van danskunst als een belangrijk onderdeel van hun missie - de eerste als een ruimte voor volwassen dansers om op te treden terwijl ze bezig zijn met andere carrières, en de laatste was gericht op het versterken van vrouwen door middel van dans. De Geef elkaar kracht serie is het geesteskind van de twee bedrijven (OnStage geregisseerd door Jen Kuhnberg en Nozama door Gracie Baruzzi en Natalie Nelson-Schiera), en is gebaseerd op de overtuiging dat samenwerking alle betrokkenen kan versterken en iets heel speciaals kan creëren.

Door het aantal gepresenteerde artiesten is het ook een platform voor veel artiesten om een stem te hebben - allemaal gevarieerd, allemaal uniek, allemaal op hun eigen manier iets speciaals waard. Baruzzi en Kuhnberg waren niet van plan om een wereldwijde pandemie dit belangrijke werk in de weg te laten staan. Dit jaar zelfs Geef elkaar kracht (de tweede jaarlijkse) zou dit jaar meer artiesten een stem kunnen geven dan de serie in het verleden heeft gedaan. Bovendien bood een virtueel videoformaat ruimte voor een korte video van elke choreograaf voorafgaand aan hun stuk, waarin ze iets konden vertellen over zichzelf en het werk dat we gaan zien - en we konden letterlijk hun stem horen.

sunlen serfaty hoogte

Allo Movement Project's Niet waarderen: V4 , uitgevoerd door Allison Rebecca Penn en met videografie van Jesse Pierce, komt op de derde plaats in de virtuele show. Dansers bewegen zich op verschillende buitenlocaties, een gevoel van eenzaamheid in alleen dansen. Is het eenzaamheid of eenzaamheid? Dat blijft een open en intrigerende vraag. Penn die in deze ruimtes danst, samen met haar voetgangerskleding, geeft het werk een alledaags gevoel. Laag in de ruimte bewegen voegt een gevoel van zwaarte toe, alsof ze beweegt met een bezwaard hart. Sfeervolle momenten van voorbijgangers die erdoorheen gaan en haar niet erkennen, dragen bij aan het gevoel van eenzaamheid.

De score, een soulvol R&B nummer, draagt bij aan dat gevoel. De spreker in het nummer lijkt veel verwarring te ervaren, en is ook alleen in die mentale ruimte. De energie van de beweging - soms hectisch (vandaar die verwarring) maar nog steeds zwaar - lijkt met dat alles in overeenstemming te zijn. In een tijd waarin we degenen van wie we houden niet altijd kunnen omhelzen en de onzekerheid zwaar in de lucht hangt, voelt het werk relevant en herkenbaar aan. Door onze ervaring naar ons terug te spiegelen, zoals kunst soms doet, kunnen we haar op nieuwe manieren zien. Wat kan er vanaf daar gebeuren? Alleen de tijd kan het leren.

Dana Alsamsam's Moedertalen komt daarna. Alsamsam legt uit hoe het werk onze relatie met onze moeders becommentarieert en het effect dat ze ons hele leven op ons hebben. Vijf dansers bewegen zich door verschillende niveaus, vormen van duidelijke geometrie en plaatsen in de ruimte ten opzichte van elkaar. Ze beginnen met vier van de dansers die in een soort zijwaartse uitval knielen, met wijd open armen in hun benen leunend. Het is een intrigerende vorm die door het stuk terugkeert. Een danser danst ook boven hen in de ruimte. Die hiërarchie door plaatsing blijft niet dat dansers op alle mogelijke manieren ten opzichte van elkaar door het werk heen bewegen. Ze weven in en uit elkaar, alsof ze onder spanning staan, zelfs als ze naast elkaar bestaan. De score is beklijvend, een eenzame stem die lange, zangerige tonen maakt, terwijl andere stemmen vocalisaties maken die meer staccato en waanzinnig zijn. Kastanjebruine en zwarte kostuums in strakke, eenvoudige snitten ondersteunen de sfeer van het stuk en dragen ook bij aan een aangename esthetische organisatie.

'Speak' van Shae Forest. Foto door Paul Bloomfield.

Ik stel me voor dat die lange staccato-stem die van een moeder in iemands psyche is, of ze nu bewust of onbewust is, terwijl ze ook een kakofonie van andere stemmen in de omringende wereld hoort. Het in en uit elkaar weven door de ruimte voelt aan als die stemmen en die invloeden die elkaar ontmoeten en een soort tolerantie voor elkaar vinden. De veelheid die het resultaat is van al die paden door de ruimte, voelt verwant aan de veelheid die voortkomt uit die kakofonie van stemmen die een effect op ons kan hebben. Toch blijft de stem van de moeder klinken. Ten slotte ligt een danseres zittend tegenover de vier andere dansers - het omgekeerde van de structuur in het begin van het werk. Ik denk aan alle verschillende manieren waarop het horen van de stem van onze moeder ons kan beïnvloeden, en alle verschillende situaties waarin we ons kunnen bevinden waarin we haar horen.

Shae Forest's Spreken onderzoekt hoe dans kan fungeren als taal en de betekenis daarvan voor communicatie in de samenleving, deelt ze in haar inleidende fragment. Helaas is dat geen onderwerp dat in de bredere samenleving bovenaan de agenda staat, denkt een misschien cynisch deel van mij. Toch kan iedereen het esthetische aanbod van dit stuk waarderen. De dansers, gekleed in elegant gesneden gebroken witte turnpakjes, bewegen zich met een ongelooflijke vaardigheid door een zeer technisch en uitdagend bewegingsvocabulaire. Ze bewegen zich met passie en toewijding door dat uitdagende werk, zodat het expressief en zinvol aanvoelt in plaats van alleen bewegingstrucs voor zichzelf.

De verduisterde belichting en sensationele instrumentale score bouwen het drama en de expressie verder op. Forest heeft ook vakkundig groeperingen in het werk zodanig gestructureerd dat dansers komen en gaan en groepen veranderen genoeg om intrigerend te zijn, maar niet zozeer om het gevoel te hebben dat die veranderingen te snel komen - die verschuivingen vertegenwoordigen misschien een soort eigen communicatie. Soms heeft kunst een algemeen toegankelijke betekenis, soms is het esthetisch aantrekkelijk of gedenkwaardig, en soms heeft het beide. Geen van deze opties is inherent misplaatst. Ze zijn allemaal iets waard.

Rachel Linsky's Selectie is een gedenkwaardig en tot nadenken stemmend werk. Belangrijke betekenis ontmoet technische vaardigheid, en het resultaat is echt boeiend. In haar pre-performance fragment legt Linsky uit dat het stuk het proces van 'selectie' onderzoekt, waarbij de nazi's degenen die in staat waren om te werken, scheiden van degenen die onmiddellijk zouden worden gedood wanneer ze Joodse gevangenen naar concentratiekampen brachten. Families werden door dit proces uit elkaar getrokken, deelt Linsky, dat door de geschiedenis heen een veelgebruikt instrument is geweest van onderdrukkers tegen de onderdrukten. Buiten het Holocaustmuseum van Boston vormen de dansers rechte lijnen - in griezelige afstemming met Joodse gevangenen bij aankomst op de plaats van hun (waarschijnlijke) dood. Rook stijgt op, nog een huiveringwekkende referentie hier.

Rachel Linsky’s ‘Selectie’. Foto door Lisa Link.

Ze bewegen (binnen die lijnen) met een bepaald niveau van een gebonden kwaliteit, zijwaarts buigend en rollend door de schouders om voorover te buigen - wat vernauwing en gebrek aan autonomie belichaamt. Om dit gevoel te ondersteunen, en een verlangen om aan de beklemming te ontsnappen terwijl ze machteloos zijn om dat te doen, reiken ze omhoog in de lucht, maar op andere momenten vallen ze op de grond of er net boven in een diepe uitval. De dansers dragen uiteraard maskers vanwege COVID, maar het doet me ook denken aan een ziekte - zoals degene die leidde tot de moord op zes miljoen Joodse mensen en zes miljoen anderen die als een bedreiging voor de nazi-macht werden beschouwd. Cijfers knipperen voor de dansers terwijl ze bewegen, die identificatienummers van concentratiekampgevangenen vertegenwoordigen. Het gewicht van dit historische trauma, deze pijn in de geschiedenis, raakt me op een zeer visceraal niveau.

Maar het echt beangstigende hier is niet het gewicht van het verleden op zichzelf - het is dat verleden rijmt met de dingen die vandaag gebeuren. Tegen het einde, tussen de stemmen van andere overlevenden van concentratiekampen, horen we Bernard Marks de confrontatie aangaan met de sheriff en waarnemend ICE-directeur in een stadhuis in Sacramento, Californië. Hij spreekt met openhartigheid en wreedheid en trekt parallellen met hoe hij werd gescheiden van zijn familie in de concentratiekampen en hoe dat vandaag gebeurt in detentiecentra voor migranten hier in de VS. Ik neem een moment van plechtige reflectie na het bekijken van het werk en beloof nooit te vergeten en nooit haat te verontschuldigen. Werken zoals die van Linsky, met een esthetisch commando en een echt krachtige betekenis, kunnen dat soort effect hebben.

Al snel bieden ballerina's van het New England Ballet Theatre of Connecticut echter iets veel lichters en vreugdevollers. Zachte pianomuziek begeleidt hun bruisende balletische beweging door verschillende buitenlocaties - groot springend bij een meer, armen uitspringend en gebarend op de trappen van een klassiek huis en ronddraaien op een veranda. Slow motion-effecten versterken het gevoel van vrijheid tijdens de vlucht en filters voegen een visuele harmonie toe die echt aangenaam is. Het voelt allemaal als een ontsnapping uit de realiteit van COVID. De dansers dragen zelfs geen maskers (wat ik prima vind, omdat ze niet bijzonder dicht bij elkaar komen als ze in hetzelfde shot dansen). De rust en vrolijkheid van het werk, om nog maar te zwijgen van de ruimtelijkheid en vrijheid waarmee de ballerina's bewegen, voelt als medicijn voor de ziel in deze tijd (of op elk moment kan het zijn)

Toch is het werk tegen het einde niet geheel zonder emotioneel of conceptueel bereik, dansers maken klauwbewegingen langs de zijkanten van een gebouw - afgezien van visueel mooi, een reikend en een verlangen naar het onvervulde en onontgonnen overbrengen (ondanks alle ruimtes die ze zijn tegengekomen in het werk). Wat we ook vinden en ervaren, daarbuiten is er altijd wel iets. New England Ballet Theatre of Connecticut heeft een stem die ons dit allemaal zou kunnen brengen, net zoals andere stemmen hun eigen cadeaus aanboden via hun stem. Brava aan OnStage Dance Company en Nozama Dance Collective voor het creëren van ruimte voor al die stemmen.

Door Kathryn Boland van Dans informeert.