Amy Foley's 'Waiting'. Foto door Mickey West Photography. Boston University Dance Theatre, Boston, Massachusetts.
25 januari 2020.
Concept - het kan danskunst onderscheiden van beweging, het relevant maken en ervoor zorgen dat het echt 'thuiskomt' bij toehoorders. Malden, een in MA gevestigde Onstage Dance Company, een gastvrije thuis voor drukke professionals die willen blijven dansen na hun studio- en college-dansdagen, presenteert altijd goed uitgevoerde en leuke shows. Toch viel me in de voorstelling van seizoen 18 van het bedrijf de aanwezigheid van bijzonder aangrijpende en gedenkwaardige concepten op. Het herinnerde me eraan hoe krachtig een inventief of zinvol concept, dat met toewijding en zorg is verhuisd, echt kan zijn.
Het allereerste stuk, dat van Michelle Block Ondersteboven , begon deze trend van verfijnde, plezierige concepten. Dansers begonnen in silhouet, van achteren verlicht, in twee lijnen. Er gingen lichten op om veel meer kleuren, groene en paarse jurken te onthullen met een bijpassend verlichtingskleurenpalet.
Block riep op om deze twee kleurgroepen op esthetisch intrigerende manieren te hebben, zoals een partnerschap tussen een danseres die de ene kleur draagt en een andere danseres die de andere draagt, het verweven en afwisselen van dansers die de twee kleuren dragen, en ze splitsen aan de zijkanten van het podium. Dit was een naamloos, maar duidelijk zichtbaar concept binnen het werk. Een ander werd eigenlijk genoemd, in de titel draaiden dansers zichzelf en elkaar fysiek om in partnerschappen. Beide concepten speelden op overtuigende wijze de dualiteit af - omhoog of omlaag, een of andere kleur.
Hoewel deze binaire bestanden duidelijk waren, was mijn interesse ook gewekt door de ruimtes en tijden waarin we grijstinten zagen tussen de twee uiteinden van het spectrum - halverwege tot ondersteboven, lichaam parallel aan de vloer, of wanneer de kleuren erin werden gemengd een groep. De dansers voerden het allemaal met toewijding en technische beheersing uit. Visueel en mentaal was er zoveel om op te kauwen. Kortom, het was gewoon leuk om in je op te nemen.
Teresa Fardella's Verloren op zee kwam daarna. Het gaf een ander gevoel - donkerder, mysterieuzer, meer reflecterend. Een piano-partituur met verleidelijke zang begon deze sfeer op te wekken, en gebroken witte jurken - die het gevoel van een lege staat gaven - bouwden het verder op. De verlichting was laag, maar werd feller naarmate het stuk vorderde. Evenzo versnelde de beweging een beetje en werd ze lichter in energie naarmate het stuk vorderde. Kleine sprongen en grotere sprongen voegden een gevoel van vlucht toe aan deze toename van energie.
Een andere ontwikkeling was dat dansers in zwarte jurken binnenkwamen, waardoor er een contrast ontstond tussen twee afzonderlijke groepen, zoals het stuk van Block had gedaan. In dit stuk versterkte deze keuze het gevoel van zoeken, zoeken naar een tegendeel, naar iets buiten het bekende. Hieraan toegevoegd was het veelvuldig verschuiven naar andere niveaus in de ruimte en plaatsen in de ruimte (de podiumruimte dus). Van de manier waarop dansers zich verhouden - cirkelen, bukken, naar toe komen maar dan zeker weggaan - dacht ik aan dit 'verloren op zee' als een scheiding van echte menselijke connectie, verloren in de turbulente zee van leven.
Er zou duidelijkheid en intentie in de beweging nodig zijn voordat de beweging een dergelijke interpretatie zou stimuleren, en de artiesten leverden. Een balletische / lyrische stijl voegde een gratie en formalisme toe die de rand van dit alles verzachtten. Om te eindigen pauzeerden de dansers en leken elkaar voor het eerst echt te zien. Zijn ze gevonden? Dat zou aan de toeschouwers zijn om zelf te beslissen. Dat is iets prachtigs waarvoor kunst ruimte kan houden.
waarom is David Muir getrouwd?
Het sluiten van de act was die van Jennifer Kuhnberg Engel bij de vleugels Elk onderdeel ervan bevorderde het concept van het leiden van engelen in ons leven. Om te beginnen was het podium verlicht om een silhoueteffect te creëren. Waslijnen gedrapeerd met witte kleding creëerden de beelden van engelenvleugels, en dansers hadden een tableau net eronder gevormd. Er gingen lichten op om de dansers te onthullen die volledig verlicht waren, in kostuums die gracieus vloeiend en wit waren. Verlichting creëerde etherische schaduwen. Naarmate het stuk vorderde, werd een gevoel van harmonie duidelijk - zelfs door verschillende formaties en manieren waarop dansers met elkaar omgaan (in kanonnen, in koor, in hun eigen beweging).
Partnerschappen, in een verzachte en losgelaten eigentijdse kwaliteit, zorgden voor een gevoel van steun. Dansers rolden over de heup van een partner om in diepe, geaarde lunges te landen of om hun momentum in een bocht te veranderen. Er was veel activiteit op het podium, maar het was allemaal zeer visueel georganiseerd - om toegankelijk, boeiend en plezierig te zijn. Deze kwaliteiten gingen door tot het einde - dansers creëerden een tableau van verschillende niveaus en vormen, met een vleugelvorm achter hen verlicht. Er was zeker iets bovenaards en majestueus aan dit alles, iets waardoor ik me meer gekalmeerd en vredig voelde, alleen al door het te ervaren.
Willow Gertz's De laatste roos opende het tweede bedrijf. Kromlijnige beelden verbonden met bloemen, en een rood / roze kleurenschema maakten dat des te duidelijker. Sterke bewegingen met een duidelijke gratie emuleerden de schoonheid van een roos die niettemin beschermende doornenelementen heeft, zoals een motief van een ronddraaiende arm, bracht de zachtheid en scherpe geometrische formaties brachten de kracht. Dansers verbonden in een kettingvorm, kronkelend over het podium, maar vervolgens in een diagonaal. Ze hielden de handen op hun rug, lopend in een gebonden kwaliteit, totdat ze zich in een smeltende kwaliteit bewogen. Dansers brachten deze kwaliteiten duidelijk en overtuigend over. Dit contrast van kracht en zachtheid, symbolisch voor een roos - in bewegingsvocabulaire, bewegingskwaliteit en formaties - bracht een intrigerend concept tot leven en een gewoonweg plezierig klompje danskunst.
Later in de wet kwam nog een werk van Kuhnberg, Game of Survival Een sfeer van het wild, en alle gevaarlijke scherpte daarin, was vanaf het begin van het stuk duidelijk en intrigerend. Dansers vormden lijnen en dansten erin, grote stokken voegden zowel een aardingselement als een auditief anker toe (ze sloegen de rekwisieten tegelijk op het podium, trokken de aandacht en droegen bij aan de sfeer). Wildheid was duidelijk in de groene en gele verlichting, grillige snitten van kostuums in vergelijkbare kleuren en ruige bewegingen.
De tekst 'the game of survival' klonk door het theater en voor mij kwam het allemaal samen. Verschillende groepen van hen bewogen zich op een manier waardoor ik me afvroeg wie jager was en wie een prooi was - cirkelen, uitwijken, onder en boven dompelen. Kuhnbergs bewegingsvocabulaire werd net zo gedurfd en vasthoudend als het wild dat ze uitbeeldde dansers gleed op één heup, rolde over de schouders van andere dansers en sprong over andere dansers die op het podium lagen.
Het einde betoverde me vooral, maar dansers sloegen de stokken perfect unisono en de lichten gingen uit - een verleidelijke oproep om je af te vragen wat er daarna zou komen, buiten de grenzen van het stuk in de denkbeeldige wereld die ze had gebouwd, en gewoon een echte trek tot de zintuigen. Het slim bouwen van een concept door middel van een danskunstwerk kan zo'n effect hebben, en Onstage Dance Company leverde daar prijzenswaardig af in zijn Season 18 Performance.
Door Kathryn Boland van Dans informeert.
aanbevolen voor jou
