Kimberly Marie Olivier en Sean Bennett in Yuri Possokhov's 'Swimmer'. Foto door Erik Tomasson. 4-24 maart 2021.
Toegankelijk via www.sfballet.org/sf-ballet-home
Vrijwel alle danskunstenaars hebben de ervaring van een dans werkelijk worden wat het is in 'tech week' - wanneer lichten, projecties, kostuums en muziek resoneren door een speelruimte echt een werk tot leven laten komen. Keuzes van kleur en vorm kunnen de betekenis en de beleving van het kijken naar een werk versterken, of kunnen voor afleiding en verwarring zorgen. Een esthetiek van een danswerk kan een sfeer creëren die toeschouwers naar binnen trekt, of een sfeer die simpelweg dissonant is. Ballet van San Francisco Het digitale programma 03 illustreerde in zijn virtuele SF Ballet @ Home-programma de kracht en het belang van het creëren van een duidelijke esthetiek en sfeer. Op het programma stonden twee pre-COVID-optredens, gefilmd in de War Memorial Opera House in San Francisco , en een filmpremière.
Alexei Ratmansky's Symfonie # 9 , dat het San Francisco Ballet voor het eerst danste in april 2014, opende het programma. Virtuositeit en dynamiek vulden de lucht vanaf de eerste noot en stap. Een robuuste instrumentale partituur (door Dmitri Shostakovich) zorgde voor snelle kleine sprongen, uitbreidingen en bochten. Het was allemaal nogal neoklassiek, maar voor jazzy gebaren bloeit - symbolisch voor een 'post-postmoderne' openheid voor inspiratie van andere dansvormen. De achtergrond van vervagend blauw (van George Tsypin) en fluweelzachte kostuums, in tinten die schijnbaar geïnspireerd waren door de kleuren in een bos (van Keso Dekker), bond een moderne verpakking rond het heden van de neoklassieke beweging. In Balanchische zin was er, zelfs toen de sociale dynamiek ontstond, geen verhaal, behalve de vereniging van muziek en beweging.
San Francisco Ballet in ‘Symphony # 9’ van Alexei Ratmansky. Foto door Erik Tomasson.
Een drastische tempowisseling, tot iets veel adagioser en mysterieuzer, bracht beweging die meer gefundeerd, verkennend dan luidruchtig was. Een pas de deux in deze sectie had complexe liften maar ook momenten van eenvoudig draaien met een duidelijke port de bras en een zware pauze. Korpsen stortten zich door de vleugels naar binnen, port de bras die herinneringen ophieven terwijl ze door de lucht zwommen - die ze in passés veranderden voordat hun partners zich bij hen voegden voor een lift.
Net als de simpele draai en port de bras van de voorgaande pas de deux, was het een duidelijk motief - een dat een gevoel van continuïteit en cirkelvormigheid opbouwde. Er was misschien niet per se een 'verhaal' voorhanden, maar toeschouwers in het algemeen konden zich identificeren met het gevoel door te gaan met schijnbare kalmte en kalmte - maar toch weer op dezelfde plek te blijven, terwijl een vleugje iets niet helemaal goed bleef hangen. Onze verbeeldingskracht zou binnen deze structuren onze eigen verhalen kunnen creëren. Dat kan het leuke en zinvolle deel zijn.
Halverwege gingen de lichten uit en twee dansers (een ballerina en een danseur) smolten langzaam op de grond totdat ze op hun rug lagen. Een achtergrond van silhouetten van mensen met rode vlaggen was zichtbaar toen de lichten weer omhoog gingen. Ik begreep deze creatieve keuze niet helemaal en gaf de voorkeur aan de open mogelijkheden van de vervaagde blauwe achtergrond die eerder in het stuk te zien was.
Omdat de mensen op de tekeningen leken te passen in het model van 'respectabele, welgestelde' mensen in de samenleving, was het misschien een commentaar op conformiteit en een leven leiden dat je was voorgeschreven. Het gevoel weer op dezelfde plek terug te komen, zou in overeenstemming zijn met dat thema. Het kan ook leuk zijn voor onze verbeeldingskracht om mogelijkheden te vermoeden binnen creatieve keuzes die we niet helemaal begrijpen! Desalniettemin bleef de beweging bruisend en opwindend, met uitstekende uitvoeringen van de beste artiesten van San Francisco Ballet.
De energie nam toe naar het einde, waardoor motieven met een sneller tempo terugkwamen en tegelijkertijd nieuwe ingrediënten aan de mix werden toegevoegd. Toen de lichten uitgingen, sprong het korps buiten het podium en bleef een enige danseres centraal staan (Wei Wang) - hoog springend en snel ronddraaien. Als een zeer intrigerende keuze leek dit de focus weer te concentreren op de individuele ervaring. Dit einde zou kunnen worden geïnterpreteerd als een bewering dat dat is waar het op neerkomt: hoe we allemaal individueel de wereld ervaren. Zonder diepere analyses was het allemaal aangenaam om te ervaren.
San Francisco Ballet in ‘Wooden Dimes’. Foto met dank aan San Francisco Ballet.
Houten dubbeltjes was het programma film wereldpremière Christopher Dennis diende als uitvoerend producent, Lindsay Gauthier als redacteur en Heath Orchard als directeur fotografie.
De cast leek op een bepaald moment niet erg groot, dus het is denkbaar dat de dansers ontmaskerd zijn in 'pods' (zoals film en televisie al enkele maanden doen). Opening met showgirls in hun kleedkamer, het had een duidelijk en meeslepend Sfeer uit de jaren 1920 Opwinding en kameraadschap vulden de lucht. Er kwam een man binnen (Luke Ingham), die leidde tot een gepassioneerde, gracieuze pas de deux met een van de ballerina's (Sarah Van Patten), die een centraal personage aan het worden was.
De beweging was grotendeels klassiek, maar jazzy verbuigingen waren een eerbetoon aan de context die voorhanden was. De volgende scène portretteerde het personage van Ingham schijnbaar aan het werk, bonkend en roepend met zijn lichaam. Mannen met accountantsschilden cirkelden om hem heen, alsof ze deden wat hij wilde - of eisten ze dingen van hem? Van daaruit wisselden de showgirls van perspectief en presteerden vreugdevol. Het karakter van Van Patten onderscheidde zich met zwarte strepen op haar witte jurk, terwijl alle andere dansers helemaal wit droegen (kostuumontwerp door Emma Kingsbury). Alle scènes leken te zijn gefilmd op het podium van een groot theater, de lijnen tussen Marley-stukken waren zichtbaar. Die keuze bracht een Spartaans gevoel met zich mee dat ondersteunend voelde voor het algehele werk (ontwerp van landschappelijke eigendommen door Alexander V. Nichols, lichtontwerp door Jim French en Matthew Stoupe).
Het personage van Van Patten danste met een mysterieus paar (Madison Keesler en Nathaniel Ramirez). Een pas de deux van dansers in rood en zwart volgde, met minder licht en de partituur werd lager en scherper van toon. Dit paar leek de eerste man die we ontmoetten te verleiden, de eerste waarmee onze hoofdpersoon had gedanst, met iets sinisters. Ze trokken aan hem en manipuleerden zijn lichaam. De scheidslijnen tussen verbeelding en werkelijkheid leken volledig vervaagd. Een samenhangende esthetiek, gecombineerd met een slimme choreografie, maakte dit verhaal duidelijk maar ook flexibel open voor interpretatie. Onze heldin danste daarna weer, haar jurk deze keer met gekleurde strepen. Ze leek opgewekt, ook al was ze peinzend. Er was iets verschoven!
Ze danste met adem en expansie, een arabesk die slechts een halve adem langer werd vastgehouden en de potentie heeft om te senseren en te verkwikken. Opnieuw droeg hij een jurk met veel patronen (waarin veranderde waarin een soort overgang leek te betekenen), keerde Inghams personage terug. Ze verstrengelden zich, deelden gewicht - was dit verlossing? Ze dansten weer samen met passie en gratie, net als voorheen, maar een nieuwe resonantie vulde de lucht tussen hen in. Uitdagingen voor de banden tussen ons kunnen die banden nieuwe vibraties geven, voor goed of slecht.
Tegen het einde werd het allemaal stil en het enige dat hoorbaar was, was het geluid van de ademhaling van de heldin. Lichten vervaagden langzaam. Veel eindes van danswerken voelen gehaast aan, zonder dat de rest van het emotionele gewicht van wat er net is gebeurd, tijd hebben om te blijven hangen. Niet zo met dit einde. In overeenstemming met dat gevoel van een oude film flitste 'The End' over het scherm. Dat residu bleef in mij hangen, samen met veel vragen - met kunst, vaak zinvoller dan antwoorden hebben.
Joseph Walsh in Yuri Possokhovs ‘Swimmer’. Foto door Erik Tomasson.
Zwemmer , die in april 2015 in première ging op het War Memorial Opera Stage, was een visuele verkenning met Busby Berkeley-achtig surrealistische afbeeldingen. Yuri Possokhov choreografeerde het werk. Het schilderachtige ontwerp was van Alexander V. Nichols en het video-ontwerp van Kate Duhamel. Van de 9-5 werkdag tot de recreatie aan het zwembad, beweging bracht overpeinzingen over het kantoor, vrij zwemmen en flirten bij het zwembad.
Bewegende projecties dwarrelden achter de dansers door - iets wat veel vaker voorkomt in hedendaagse dans dan in ballet. Het was een bevredigend visueel snoepje, maar een snoepje met een onverwachte smaak die je niet helemaal kunt plaatsen. “The Swimmer” (Joseph Walsh) belichaamde ondertussen vrije beweging door water en lucht. Hij had een mooie ballon en muzikaliteit, reikend met energie die ver voorbij zijn ledematen reikte, maar ook met een helder en krachtig centrum van energie.
Buiten hem bloeit voor karakterisering en om specifieke actie in het lichaam over te brengen, verlevendigde een duidelijke en solide klassieke basis van beweging. Een pas de deux-sectie, schijnbaar in een context van een borrel aan een bar, voelde structureel een beetje misplaatst, maar werd prachtig gechoreografeerd en gedanst. Spanning en passie waren duidelijk door duw- / trekdynamiek en expansie in beweging.
Een later deel van het werk, met een groot korps danseurs, had meerdere betekenismogelijkheden - de turbulentie van het ouder worden, een storm (binnen het grotere nautische thema dat in het werk aan de orde is) of iets anders? Wat de betekenis ook was, atletische liften en krachtige sprongen waren opwindend. 'The Swimmer' hield zijn armen voor zijn borst, alsof hij rilde - maar al snel danste hij weer groot en brutaal. Verbluffende lichteffecten lieten hem lijken alsof hij diep zwom, naast projecties van een man die tussen woeste golven zwemt.
nia malika henderson instagram
Het gordijn viel terwijl dat doorging - zeker een open einde! Je zou je verschillende mogelijkheden kunnen voorstellen voor wat er daarna zou kunnen gebeuren, maar wat betekenisvoller aanvoelde bij dit werk, was de visuele mogelijkheid en de pure kracht in het menselijk lichaam. Hoewel aspecten van het werk onduidelijk aanvoelden, was wat het opleverde een lust voor het oog en een verhalend potentieel voor de hersenen om op te kauwen. Soms gaan gedurfde experimenten ten koste van de duidelijkheid bij het maken van kunst. Kunst kan niet vooruit zonder die gedurfde experimenten, dus het zij maar, zegt deze recensent. Brava naar San Francisco Ballet om risico's te nemen en het publiek eraan te herinneren hoeveel creatieve mogelijkheden er voor het oprapen zijn - wereldwijde pandemie of niet.
Door Kathryn Boland van Dans informeert.
