Paulo Arrais en Lia Cirio van Boston Ballet in 'Bach Cello Suites' van Jorma Elo. Foto door Rosalie O'Connor, met dank aan Boston Ballet. 25 februari - 7 maart.
Door bostonballet.org/bbatyourhome
Dans bestaat niet in een vacuüm, klaarblijkelijk is wat eraan voorafging een fundament of iets om van af te wijken. De stem van een choreograaf evolueert in de loop van de tijd, maar er kunnen bepaalde interesses en neigingen blijven bestaan. Zowel in het oeuvre van een bepaalde choreograaf als in de evolutie van dans in bredere zin kan het interessant en informatief zijn om oudere werken te bekijken en ze in gesprek te brengen met nieuwere werken.
In dit COVID-tijdperk doen veel bedrijven dat uit praktische overwegingen en noodzaak, waarbij nieuwe werken die zijn gefilmd op een veilige manier voor deze tijd, worden gecombineerd met archiveringswerken in virtuele programma's. Jorma Elo vieren, binnen 'BB @ yourhome' van Boston Ballet programma, deed precies dat - ter ere van de 15-jarige Boston Ballet Resident Choreograaf met werken die veilig in de studio werden gefilmd en oudere werken die werden uitgevoerd op het grote podium van het Boston Opera House. Beide soorten werken maakten het unieke karakter van Elo's visie, stem en het resulterende oeuvre door de jaren heen duidelijk.
Whitney Jensen, Bo Busby en Jeffrey Cirio in Jorma Elo's ‘Plan to B’. Foto door Gene Shiavone, met dank aan Boston Ballet.
Deel I, met Plan 2 B , geopend met een danseres al snel vergezeld door een andere. Ze bewogen zich met een frenetisme, maar toch gebaseerd op zekerheid. De algehele esthetiek was ongecompliceerd: kostuums in basissnit en effen kleuren, verlichting die aan middernacht deed denken en een glazen paneel dat van achteren verlicht leek met een geeloranje tint (kostuums en lichtontwerp ook door Elo). Maskers gaven aan dat het werk in COVID-tijden was gemaakt, zoals ook een opening naar het programma had verduidelijkt.
jangle dance
De dansers wisselden naadloos tussen bewegingen die gebaren en onconventioneel waren, en wat meer technisch en traditioneel was. Ji Young Chae sloeg in een diepe uitval en cirkelde toen snel om haar armen, als propellerbladen, en steeg vervolgens soepel naar een pirouette-draai. Dat paste bij de kwaliteit van de instrumentale muziek, met een snelle en vurige durf maar ook een klassieke verfijning.
Het paar dansers werkte wel samen, maar op een manier die hun gezichten niet in de buurt had. Als ze niet in een lift zaten, zwaaiden ze op een prachtig kromlijnige manier in en uit elkaars negatieve ruimte. Op metaforisch niveau kan dit gebrek aan fysieke ruimte tegenwoordig de kijker raken. Op praktisch niveau waren die choreografische keuzes een manier voor de dansers om energie dicht bij elkaar te delen met minder risico op schade voor een van hen.
Die uitwijkende hoeken bleven een duidelijk onderdeel van de beweging naarmate meer dansers de groep binnengingen van twee naar één (met een snelle en gedenkwaardige solo van John Lam ) tot zes. Hoe dansers die kromlijnige vormen uit formaties uitvoerden - zoals een ondiepe diagonaal waarin dansers even poseerden, laag in de ruimte en met armen opzij gehouden in een vleugelachtige vorm - was hier een andere laag van visuele en energetische interesse. Ook intrigerend waren het tempo en de toonveranderingen in de muziek, en hoe de beweging ervan werd afgespeeld - soms dienovereenkomstig verschuivend, soms in spanning met hen voortschrijdend.
De energie piekte tegen het einde, de dansers bewogen zich snel door meer kromlijnige vormen en vonden snelle interacties met elkaar door de ruimte. De muziek kwam tot een staccato einde, en de dansers namen een laatste pose aan die voortzetting leek over te brengen, van daaruit voort te bewegen - twee dansers met hun gezicht naar de zijkant in een longpositie en achter hen, dansers die met hun voeten bij elkaar stonden en recht vooruitkeken . De lichten vervaagden naar beneden. Ik zou benieuwd zijn wat het effect zou kunnen zijn geweest van de verschillende keuze van dansers die bleven bewegen toen de lichten uit gingen. Zoals het was, was het einde bevredigend.
alexandre meyer
Deel II, Bach cellosuites , ook slim gebruik gemaakt van negatieve ruimte. De dansers (Paulo Arrais en Lia Cirio ) zou net niet omhelzen - armen in een knuffelvorm gestrekt en weggeborsteld, starend opzij met de armen zijwaarts gestrekt. Of het nu een commentaar was op het gebrek aan fysiek contact gedurende deze tijd, het was op zichzelf al een dwingend bewegingsvocabulaire.
Samen met de hunkerende toon van de muziek, bouwde het een gevoel van verdriet en verlies op dat diep resoneerde voor mij als kijker. Wat ook resoneerde voor mij was hoe ik de versnelde, verdiepte ademhaling van Arrais en Cirio door hun maskers heen kon zien - naar binnen zuigen en uitzetten in een gestaag ritme. Het viel me op hoe dansers zoals zij op dit moment met enorme uitdagingen worden geconfronteerd, zowel fysiek als mentaal, en deze uitdagingen volledig aangaan.
Deel III, Verhaal van een herinnering , sprak over enkele van diezelfde thema's, van verlies en verlangen, in een theatraal en technologisch bedreven manier. Tussen hun dansen, meestal apart in de ruimte, waren frames van de dansers die lachten en glimlachen. Ze zaten tegen verschillende kanten op een enorm zwart blok en spraken poëtische regels - ietwat dubbelzinnig maar schijnbaar over elkaar, terwijl ze ook in elkaars richting zaten en spraken (hoe iemand zou kunnen proberen om met iemand aan de andere kant van een dunne lijn te praten). muur).
Deel IV bevatte fragmenten uit verschillende Elo-werken door de jaren heen. Elk fragment gaf een voorproefje van bepaalde opmerkelijke Elo-werken - allemaal uniek qua esthetiek en concept, maar met de rode draad van een kenmerkende Elo-bewegingsstijl: dynamisch, vol energie en reflecterend op verschillende bewegingsinvloeden (zowel technisch als voetgangers) die rusten op een klassieke baseren.
C. tot C. (Dicht bij Chuck) Herboren had een edgy, mysterieus nachtmerrieachtige sfeer. Scherpe (re) kant van donker bracht iets sober en elegant, bijna Balanchijns in esthetiek maar zeer Elo in bewegingskwaliteit. De Elo-ervaring bracht een mysterieuze elegantie. Licht en donker stonden tijdens het werk op verschillende manieren onder spanning. Theatraliteit en grote formaties bouwden een energie op die dat gevoel ondersteunde.
Boston Ballet in ‘Creatures of Egmont’ van Jorma Elo. Foto door Liza Voll, met dank aan Boston Ballet.
Wezens van Egmont was een beetje lichter en helderder, blues en paars ondersteunden bewegingen die iets minder staccato waren dan die van veel andere Elo-stukken. Toch vulde die kenmerkende dynamiek de lucht. Van kostuums tot formaties tot de podiumpresentatie van de dansers, Vijfde symfonie van Jean Sibelius had een look en feel van een pastoraal ballet dat is vernieuwd voor de 21steeuw.
Rafferty wet leeftijd
Het was ook hartverwarmend om een stukje geschiedenis van het Boston Ballet te zien, zoals door optredens van voormalige leden van het gezelschap James Whiteside (nu bij American Ballet Theatre) en Kathleen Breen Combes (nu directeur van Festival Ballet Providence) Voorafgaand aan deze fragmenten waren er ook enkele mooie foto-stills vertegenwoordigd Carmen , net vorig jaar (begin 2020) gepresenteerd - een grimmige herinnering aan hoe de dingen waren vlak voor COVID, en daarin hoeveel ze zijn veranderd.
De opname in dit programma van zowel nieuwere, COVID-veilige als oudere werken die vóór COVID werden gepresenteerd, voelde bitterzoet aan.Het was bemoedigend om te zien dat er in deze tijd nog steeds werken werden gemaakt en gefilmd, terwijl oudere werken een herinnering waren aan wat eerder mogelijk was - wat we zouden kunnen hebben soms als vanzelfsprekend beschouwd. Beide soorten werken maakten echter de unieke creatieve stem van Elo en de baanbrekende kunstenaarschap van Boston Ballet nu en in het verleden duidelijk. De wereld is in constante, volledig onvoorspelbare beweging, maar creativiteit en kunstzinnigheid blijven bestaan.
Door Kathryn Boland van Dans informeert.
