Cleo Mack's 'Arrangement'. Foto met dank aan Dance Now's Dance-mopolitan Encore Series. Joe’s Pub, New Yor, NY.
11 januari 2020.
Danskunst met authentieke humor en hart blijft echt bij me - ik voel het, leef erin, onthoud het. Het herinnert me eraan hoe we met al onze afzonderlijke identiteiten en (waargenomen?) Verdeeldheid allemaal mensen zijn. De Encore-serie van DANCE NOW, via een getalenteerde gastheer en hartverscheurende optredens, bood dit soort danskunst. Joe’s Pub zorgde voor een gastvrije sfeer waar leden van het publiek konden eten en drinken terwijl ze naar de show keken. Een lichte en vrolijke sfeer vulde de ruimte. DANCE NOW 'creëer (s) inclusieve, bestemmingsevenementen die bruisen van innovatie en de grenzeloze verbeeldingskracht van een gemeenschap van dansartiesten van meerdere generaties.'
Het eerste stuk, 'SoLo' (2019), zette de toon voor de theatrale kwaliteit, het hart en de humor van veel van de toekomstige stukken. Mark Gindrick, in een fedora, een blauw sportjack en een spijkerbroek, zei 'nummer één' in een microfoon. Hij lip-gesynchroniseerd een regel en dan op het woord 'vallen', viel op de grond, licht uit. Deze keuze heeft de slapstick-stijl van het werk bepaald. Het publiek grinnikte bij deze onverwachte gang van zaken. Toch stond hij een paar seconden later weer overeind, de lichten weer op hem.
Hij begon met lipsynchronisatie van een dramatische ballad over onbeantwoorde liefde - het hoofd achterover geworpen met een brede houding, de microfoon terugtrokken met hem in rockstar-stijl. Zijn aanwezigheid was dramatisch humoristisch en de verlichting was laag om bij de sfeer te passen. Meer 'dansende' secties lieten hem bewegen in door jazz geïnspireerde bewegingsvocabulaire, humoristische accenten zoals een hand tegen de rug van de andere slaan terwijl hij in passé een bocht markeert.
Het lied verwees naar deze vrouw, het voorwerp van zijn genegenheid, als 'de wind'. Een man met een koptelefoon, vermoedelijk theatraal 'technisch' personeel, zorgde voor een winderig effect door de kleding van de zanger in de war te brengen. Het publiek grinnikte bij dit effect. Het was deels komische zelfverachting, maakte humor door het omarmen van 'low-budget' creatieve benaderingen, en deels 'meta'-commentaar, dat een kijkje gaf in de processen achter het tot leven brengen van danskunst.
De anti zou worden verhoogd, de 'tech' -man kreeg een bladblazer en blies die naar de zanger, die zelfs de lucht in zijn mond nam om zijn wangen op te blazen. De menigte at het op en er klonk gelach door het theater. Om te eindigen blies de technicus de zanger van het podium en stond hij centraal. Hij leek te genieten van de aandacht van het publiek voordat hij boog en vertrok. Het publiek juichte deze man toe, iemand van wie we niet zouden verwachten dat hij nu in de schijnwerpers zou staan, terwijl het stuk ook op een slimme, vreugdevolle manier de voorstelling opende van wat 'dans' is en kan zijn.
De gastheer, Trudee, danste binnen. Ze bewoog zich levendig naar popmelodieën, dansend met technische beheersing maar ook een ongedwongen sociale danssmaak. Van stap-aanrakingen tot battements tot het signaleren van een merkteken van een beurt (waarbij de ene hand de achterkant van de andere raakt terwijl je in passe bent, waardoor die 'meta'-aanraking terugkomt van het eerste stuk), ze zette zich met plezier en volle energie in voor alles. .
Haar jurk was sprankelend roze en wit, met een klein roze schouderophalen. Een 'fauxhawk' en sprankelende sieraden maakten haar 'look' af. Ze begon te spreken met een Long Island, New Jersey-achtig accent, hoog en naseled. Het karakter was duidelijk, bijna archetypisch. Ze zei dat ze alle artiesten liefhad, allemaal geweldige mensen die uitstekend waren in wat ze doen. Het publiek grinnikte, het soort grinnikend dat uit het hart komt.
Toen kwam er een soulvol, gedenkwaardig duet - 'a portrait of them', uitgevoerd door Ryan Rouland-Smith en Nicole Vaughan-Diaz en gechoreografeerd door Vaughan-Diaz. Vaughan-Diaz stond achter Rouland-Smith, die in een stoel zat. Ze voerden gebaren uit om dichter naar elkaar toe en verder uit elkaar te komen - een hand op een schouder, een hand verder weg. Ze gingen sneller en groter door deze gebaren totdat ze van hun stoel opstonden en door de ruimte bewogen. Hun aanwezigheid versterkte het gevoel van drama en emotionele onzekerheid die kunnen komen in moeilijke tijden in relaties.
Hun eenvoudige kleding in aardetinten en ongecompliceerde, maar dramatische pianopartituur pasten goed bij die sfeer. Ze bewogen zich naar andere vlakken en niveaus in de ruimte, dansend naar en van die stoel af. Beweging breidde zich uit op dat oorspronkelijke moment van hand aan schouder. Hoeken van ledematen werden steunen voor liften - een bovenarm werd een plank, een gebogen elleboog die werkte om te bevestigen. In een gedenkwaardige bewegingszin bewoog een backbend zich in een ondersteunde val in een andere lift. De beweging, en de uitvoering ervan, was gedurfd en toegewijd. Het conflict tussen liefde en animus resoneerde door dit alles. Het werk liet me achter in een doordachte, maar ook emotioneel getroffen ruimte.
Trudee kwam een paar keer terug en vertelde ons over de 'microgenres' van verschillende artiesten. Een van de komende artiesten was 'limbgevity', legde ze uit in 'Duet'. Gus Solomons, Jr., gebruikte een rollator en communiceerde met een pop. Hij begon met zijn gezicht naar achteren te kijken en de pop liet zijn hoofd zien. Hij draaide zich om en bewoog zijn pop op een hartverwarmende relationele manier: de pop 'liep' langs zijn arm, omhelsde zijn nek en leek verstoppertje te spelen. In de toelichting op het programma sprak hij zijn dank uit aan “DANCE NOW dat ik de titel van choreograaf mocht behouden”. Het werk was een ontroerende weergave van de mogelijkheid tot excellentie in dans en beweging bij alle mensen.
Cleo Mack’s 'Arrangement' - een inventief werk conceptueel, esthetisch en conceptueel - sloot het programma af. Blair Ritchie, Kelli McGovern en Mandi Stallings van Rock Dance Collective dansten het. Het werk boorde gaten in de bewering van veel hedendaagse danskunstenaars dat het gebruik van een partituur met songteksten een risicovolle - misschien zelfs af te raden - keuze is voor het klassieke nummer 'Is dat alles wat er is?' geleide betekenis en sfeer. Het werk was onder meer overtuigend door de houding van de dansers van verveling en ontevredenheid - wat bij het nummer paste. Ook hier op één lijn droegen ze zwarte jurken met parels, oorknopjes en lage, bescheiden hakken - en ietwat blanco uitdrukkingen.
Ze begonnen bij stoelen, en die stoelen waren een aardingsbasis waarnaar ze steeds terugkeerden - die aarding in verveling. Wat ook mijn aandacht trok, was het effectieve gebruik van een basisbewegingszin die enigszins werd gemanipuleerd en herhaald door het werk: armen werden uitgewaaierd om een hoek te vormen, de ene viel terwijl de andere haar ving en de andere draaide. Deze keuze versterkte dat gevoel van verveling door een cyclische aard, een gevoel terug te keren naar hetzelfde oude ding en misschien niets ooit werkelijk veranderen.
Iets aan dit alles - misschien de teksten gecombineerd met sfeer en de dramatisering van de dansers - deed me giechelen. Ik voelde het allemaal tegelijkertijd diep, dat gevoel van stilstand en dat er op de een of andere manier iets meer uit het leven moet komen. Humor, hart, een geweldige beweging - en oh ja, roze pailletten - het kwam allemaal samen om van de ‘Encore’ -serie van DANCE NOW's Dance-mopolitan een toegankelijke, plezierige middag vol danskunst te maken. Het was het soort danskunst dat iedereen welkom heet, en wie wil zich nu niet welkom voelen? Terwijl de danswereld vooruit springt, is dat niet iets om te vergeten of terzijde te schuiven. Trudee zei het goed: ze moedigde individualiteit en zelfacceptatie aan en herinnerde ons eraan om nooit 'je microgenres te vergeten'. We hebben die herinnering allemaal wel eens nodig.
Door Kathryn Boland van Dans informeert.
aanbevolen voor jou
