Aaron Carr, Morgan Lugo en Robbie Moore van LADP in 'Harbor Me' van Sibi Larbi Cherkaoui. Foto door Laurent Philippe. Boch Center, Boston, Massachusetts.
20 mei 2017.
Dans is duidelijk een kunstvorm die gebaseerd is op beweging. Maar als beweging constant is, is het dan echt beweging of slechts een norm - wat is er altijd, was en zal zijn? Met andere woorden, beweging betekent meer als we het andere uiteinde van het spectrum ervaren: stilte. In een misschien grotere en meer metaforische zin kan beweging in dans een grijp zijn om te bewijzen, te bereiken en over te brengen. Stilte kan een toelaten zijn dat iets is wat het is en het voor zichzelf laten spreken.
De assemblage van drie werken van L.A. Dance Project, getoond in Boston via de Celebrity Series en momenteel door het hele land toeren, demonstreert deze dynamiek. Sommige van deze werken bouwen emotionele inhoud op, en tonen de schoonheid in het bewegende menselijke lichaam door momenten van stilte op te nemen. We zien tijdens zulke momenten niveaus van meer verfijning. Sommige van deze werken berusten in de kunst en de waarheid die ze zijn, terwijl andere ernaar streven een specifieke boodschap op te bouwen en over te brengen.
LADP in ‘Harbor Me’ van Sibi Larbi Cherkaoui. Foto door Rose Eichenbaum.
Het eerste werk, Sibi Larbi Cherkaoui's Harbor Me, is meer van het eerste, met een moed om risico's te nemen, maar een schijnbare acceptatie van wat het stuk te bieden heeft als voldoende. Het stuk begint met licht dat van hoog op het podium rechts naar binnen stroomt, alsof het, huiveringwekkend, door de tralies van de gevangenis wordt geblokkeerd. Een solo met soepele, pezige bewegingen begint. Schaduwen dragen bij aan de intriges van een prachtige verkenning van subtiele bewegingsmogelijkheden. Er komt nog een danser bij, dan een derde. Twee dansers vertrekken en een solo van meer gespierde en atletische kwaliteit begint.
Molly Ackermann Crosby
Voorwaarts door het stuk gaat deze drie-en-een structurering verder. Meer duetten kunnen waardevolle choreografische verkenning bieden, aangezien oneven versus even groepen betekenisvolle verschillen kunnen hebben. Wat het podium opkomt, is echter opvallend en zinvol. Het donkere kleurenschema (verlichting en kostuums door Fabiani Piccioli) blijft schaduw en contouren van licht toevoegen die adembenemend kunnen zijn. Bepaalde momenten van samenwerking zijn ook gedenkwaardig en innovatief - zoals het delen van het gewicht zodat drie dansers als één lichaam lijken, maar drie armen die onder drie verschillende hoeken zwemmen, porren slim gaten in de optische illusie.
Een programmanota impliceert dat het stuk bedoeld is om de uitdagingen en innerlijke wereld van vluchtelingen te illustreren, evenals de algemene situatie van hun staat in de wereld - zeker een relevante en actuele focus in 2017. De letterlijke duisternis van het stuk, evenals de choreografische structurering van zowel gedeeld gewicht als delen van scheiding, geeft aan dat we zelfs zonder volledige verlichting van de ander nog steeds ondersteuning kunnen bieden. Onze overeenkomsten kunnen de duisternis overwinnen die onze verschillen zou kunnen benadrukken.
Het volgende stuk, dat van Justin Peck Moordballads , wil ook een specifieke situatie en thema uitbeelden (zo niet een openlijke boodschap). Het doet dit echter explicieter, zoals met een programmanota waarin het ontstaan van het stuk en de culturele achtergrond die eraan ten grondslag ligt, worden uitgelegd. De stelling is dat de kern van massaschietpartijen in Amerika een cultuur is gebaseerd op geweld, die teruggaat tot volksliederen over moord.
L.A. Dance Project in de ‘Murder Ballades’ van Justin Peck. Foto door Laurent Philippe.
Kostuums zijn van alledaagse Amerikaanse kleding, waarbij sommige van je typische tieners (zoals korte rokken en afgeknipte mouwen) lijken te verwijzen naar schietpartijen op scholen. Frequente unisono-secties weerspiegelen ook het verlangen van tieners om bij de groep te passen. Sommige delen van de choreografie stralen agressie uit, terwijl andere steun lijken uit te drukken. In deze implicaties is het stuk minder succesvol in het overbrengen van de waarheid dan het eerste was dat het minder lijkt te betekenen terwijl het direct meer zegt.
Het werk biedt echter momenten van mooie en goed gemaakte beweging. In de ene zin leunt de ene danser bijvoorbeeld tegen de andere. De danser die steun ontvangt, tilt een gebogen voet op tot 45 graden, en degene die hem plooit in het andere been. Deze zin krijgt door opeenvolgende herhalingen een iets andere tint. De beweging is ook het meest betekenisvol als ze een gevoel van steun krijgt, een deegachtige uitrekking. De dansers zetten echt in op die bewegingskwaliteiten waar de choreografie om vraagt.
Het werk heeft de grondstof voor meer potentieel, een uitstekende kandidaat voor workshopping en andere verfijningsprocessen. In werkelijkheid geldt dat tot op zekere hoogte voor elk kunstwerk. Het derde en laatste werk, Aan de andere kant , door artistiek directeur Benjamin Millepied, lijkt verder in dat proces. Met het risico van simplistische reductie, is het een impressionistisch schilderij dat in beweging tot leven komt. Een geometrisch gevoel, zowel door formaties als door frasework, impliceert een natuurlijke orde - inherent aan veel impressionistische onderwerpen.
Een gelijktijdige onvoorspelbaarheid impliceert echter dat we nooit echt kunnen weten hoe iets zijn beloop zal hebben - 'aan de andere kant' van het huidige bewustzijn. Net als bij impressionistische schilderijen gaat een helderheid van structuur samen met een intrigerende kwalitatieve vaagheid - zoals in, met een verschuiving van perspectief is er meer te zien en te begrijpen. Daarachter schuilt een neo-impressionistisch schilderij op de achtergrond van de kunstenaar Mark Bradford. Heldere kleuren in kostuums (kostuumontwerp door Alessandro Sartori) passen bij deze visuele energie.
LADP in 'Aan de andere kant' van Benjamin Millepied. Foto door Laurent Philippe.
Dansers in dit stuk gaven ook volledige energie en beheersing van de beweging die voorhanden was. De een wil dat twee solo's - een van een danseres in rood en een in grijs - langer zijn, simpelweg omdat ze zo sterk en opvallend zijn. Ja, kracht, maar er is ook een zachtheid, een gemak in beweging, soms technisch, soms meer voetganger (en in de overgangen tussen die twee kwaliteiten) à la Mark Morris. De kracht van die beweging wordt versterkt door contrast in verstilling, dansers in af en toe een tableau.
In plaats van openlijke stilte, stralen de dansers nog steeds de resonantie uit van de zojuist uitgevoerde beweging. Een deel van die beweging biedt een metafoor voor iets van de natuurlijke wereld, zoals een schijnbare baan van de groep rond een centrale as, de ene hand in het midden en de andere die boven een gebogen elleboog uitstijgt. Baanbeelden lijken misschien niet veel te maken te hebben met een enigszins geabstraheerd schilderij van bloemen en een algehele helderheid (in kleur en beweging).
Maar met een houding van openheid voor nuance, waardeert men de viering van de beweging om ons heen, dichtbij en ver weg - in een bloem net buiten het raam of in een melkweg lichtjaren verwijderd. Er is ook stilte, maar zelfs in 'stilte' blijft de energie van beweging bestaan. Omgekeerd is beweging beweging omdat er stilte bestaat. Op een vergelijkbare manier kunnen abstractie en subtiliteit ervoor zorgen dat iets zinvols echt wordt gehoord. De assemblage van deze drie werken door L.A. Dance Project stelt dansers, dansmakers en dansliefhebbers van alle soorten in staat om deze waarheden duidelijker te zien.
Door Kathryn Boland van Dans informeert.
aanbevolen voor jou
