Eric Greengold en Elizabeth Troxler in 'Dancing Through ...'. Foto door McKenna C. Poe. 30 oktober 2020.
Gestreamd op YouTube.
De meeste danswerken die echt bij mij resoneren, doen dat vanwege een sterk concept, een concept dat de artiesten vakkundig tot leven brengen. Het creëren van een concept is echt creatief en intellectueel werk. Beslissen om het tot leven te brengen en te geloven dat het iets is kan tot leven komen, vergt oprechte moed. Het werk om het concept tot leven te brengen volgt daarop - iets dat toewijding, nauwgezetheid, aanpassingsvermogen en nog meer vereist moed Theatre Dance Vietnam toonde zoveel moed door zich te engageren voor een complex en uitdagend concept, dat de geschiedenis en culturele context van de Amerikaanse muziektheaterdans in beeld bracht. Dansen door ... Het werk is gefilmd in The Tank in NYC en geregisseerd door Elizabeth Troxler.
Bepaalde a-historische aspecten en structurele zwakheden waren duidelijk, maar de moed om een concept van deze omvang over te nemen, is iets om te prijzen en te vieren. De choreografie en uitvoering waren meesterlijk, waardoor ik als toeschouwer niet al te veel opging in mijn intellectuele twijfels over structuur en historische accuratesse. Het werk zelf onderstreepte ook het niveau waarop Amerika een wereldleider is in dans - iets om ook te vieren en aan te moedigen voor de komende generaties.
Jessica Lee Goldyn in ‘Dancing Through ...’. Foto door Sarah Takash.
Het werk begon met een dansteam dat in Broadway-stijl danste, onberispelijk gekleed in pailletten en gevederde hoofdbanden. De teamleden wilden meer weten over het formulier waarop men vroeg waar het vandaan kwam. Hun coach begon deze rijke geschiedenis uit te leggen door uit te leggen hoe het formulier uit vaudeville kwam. De eerste dansscène was een prachtig duet, beginnend met het volgen van een bolhoed door in een doos te landen en daarna opgepikt door een van de dansers voorafgaand aan haar wals. Bewegingsvocabulaire deed denken aan droomballetten van klassiek Hollywood. Dit veranderde in tikken met onberispelijke geluiden en een energie die je gewoon moest laten glimlachen - net als de klassieke tapscènes van weleer. De muziek klonk alsof het uit een oude radiobox kwam, wat hielp om de sfeer van de scène overal op te bouwen.
libby mintz leeftijd
Van daaruit snijden we naar scènes uit de Grote Depressie en het begin van de Tweede Wereldoorlog. Terwijl beelden uit deze tijd over het scherm flitsten, legde de coach uit hoe dans en theater mensen in moeilijke tijden optilden en verenigden in een nationale geest. De volgende dansscène was weer een mooi duet met beweging dat een beetje meer jazzy, zwoel en gedurfd was - en de evolutie van de vorm liet zien naarmate de tijd verstreek en de sociale attitudes veranderden. De dansers bewogen zich met gemak, vreugde en gemak.
Later kwam er een dansscène die de jaren zestig vertegenwoordigde, met de rebelse geest van de hippiebeweging. De beweging was levendig en aanstekelijk. Daarna volgde een leuke en funky reeks uit de jaren 80, met felle kleuren en hoog uitgesneden maillots.
Daarna werd de jaren negentig afgeschilderd als een tijd van duisternis en isolatie - met dansers gescheiden in de ruimte, elk in hun eigen schijnwerpers en al het andere zwak. Een vrolijke tapdans stond voor de jaren 2000 - een tijd van overzeese oorlogen, terreurdreigingen en sociaal-politieke onenigheid eromheen, toenemende sociaal-politieke polarisatie en de ergste financiële ineenstorting sinds de Grote Depressie. Misschien was deze keuze bedoeld om te laten zien hoe shows eruit zien Grondig moderne Millie waren tap in de 20theeuw met een knal nieuwe ideeën - dat klonk me trouw en deed me glimlachen.
Beide scènes waren prachtig gedanst en vormgegeven, dus ik kon ze op esthetisch niveau zeer waarderen. En een belangrijk element dat hielp bij de structuur en continuïteit was het gebruik van een bolhoed. Het werd door de decennia heen “doorlopen” door een combinatie van beweging en filmmontage. Dit was een slim gebruik van een prop om een gevoel van continuïteit in de tijd te creëren. Die benadering deed me denken aan de dingen die zijn doorgegaan in de Amerikaanse geschiedenis, in en buiten de kunsten - bijvoorbeeld het streven naar de vrijheid voor iedereen die in onze oprichtingsdocumenten wordt voorgesteld.
Een reeks high-energy scènes uit recente Broadway-musicalhits completeerden de dansscènes. Deze creatieve keuze leek het culturele moment te ontmoeten door de essentiële bijdragen van zwarte artiesten aan de Amerikaanse theater-, muziek- en popcultuur te benadrukken. Deze scènes omvatten die uit de musical De verleidingen , een Michael Jackson-cover en de recente Tina: The Tina Turner Musical Net als de show als geheel, was het prachtig uitgevoerd en gechoreografeerd.
Een krachtig einde met scènes van NYC-dansers deed de coach ons eraan herinneren dat theater bij ons blijft, zelfs als theaters gesloten zijn, het zit in ons hart, geest, lichaam en ziel. Dat is tenslotte de bron van de kunst! Zelfs met de structurele en historische kwesties die me opvielen, maakte die boodschap - samen met de schoonheid en vreugde van de uitvoering en choreografie - dit tot een gedenkwaardig werk. De moed om te creëren is iets om toe te juichen - omdat krachtige betekenis kan resoneren met die moed als bron. Voeg prachtige dans en design toe, en je kunt niet verliezen.
Door Kathryn Boland van Dans informeert.
aanbevolen voor jou
