Beoordelingen | April 2024

Alvin Ailey Amerikaans danstheater in Jamar Roberts''A Jam Session For Troubling Times '. Foto met dank aan Emily Kikta Peter Walker.

2-31 december 2020.
Toegankelijk via www.alvinailey.org/performances-tickets/virtual-winter-season/watch-now

Alvin Ailey American Dance Theatre presenteert al meer dan 60 jaar danskunst die verheft, inspireert, opvoedt en tot nadenken stemt - van het prosceniumpodium tot de dansstudio tot community-based settings. Dat is een groot deel van de reden waarom duizenden dans- en kunstliefhebbers keer op keer zijn teruggekeerd naar wat het gezelschap te bieden heeft - in tijden van oorlog en vrede, schaarste en overvloed, onenigheid en harmonie.

Gezien de COVID-pandemie ziet wat het bedrijf kan presenteren er dit jaar anders uit - opvallend ook de 60^thjubileumjaar van het meesterwerk van Alvin Ailey Openbaringen. Toch is het aantoonbaar niet minder zinvol en niet minder speciaal. Niets kan live-optredens vervangen, maar wat het gezelschap erin heeft aangeboden allereerste virtuele seizoen (iets historisch op zichzelf) had zijn eigen creatieve innovaties en manieren waarop het bedrijf met zijn eigen stem spreekt.

Die innovaties waren vooral vooruitziend in de twee originele werken die dit seizoen werden gepresenteerd - Jamar Roberts ' Een jamsessie voor moeilijke tijden en Testament door Associate Artistic Director Matthew Rushing (in samenwerking met Company Member en Assistant van de Repetitiedirecteur Clifton Brown en voormalig Company Member Yusha-Marie Sorzano). Andere programma's in het seizoen vierden 60 jaar Openbaringen , onderzocht hoe dans en sociale rechtvaardigheid elkaar kruisen, bood content voor alle leeftijden aan voor het hele gezin, en vierde de pensionering van twee bedrijfsleden dit jaar.

Ailey's Renaldo Maurice, Courtney Celeste Spears en Chalvar Montiero filmen Jamar Roberts ‘A Jam Session for Troubling Times’. Foto met dank aan Emily Kikta en Peter Walker.

Roberts ' Een jamsessie voor moeilijke tijden begon met prachtige overheadshots van New York City. In voice-over deelde een heer verhalen over het leven van een jazzmuzikant in de stad. Opnamen van muzikanten op een dak kwamen samen in die van Alvin Ailey-dansers voor Ailey Studios (bewegwijzering van 'ALVIN AILEY AMERICAN DANCE THEATER' plaatste hen duidelijk). De dansers - hoewel ze fysiek afstandelijk bleven - hadden een paar momenten van opwinding bij het zien van elkaar, en kwamen toen snel in beweging. Die keuze was menselijkerwijs en hartverwarmend, vooral in deze tijd van fysieke ontkoppeling.

De beweging was, met het risico iets dat zo gelaagd en rijk was, te verminderen, een belichaming van jazzmuziek: improviseren op een rudimentair element, elkaar afschudden, de energie van dansers voedt elkaar. Later in het stuk werd de unisono-beweging overheersend, maar de improvisatie-uniciteit van het lichaam en de bewegingssignatuur van elke danser bleef bestaan.

De manier waarop de beweging in de loop van het stuk veranderde en evolueerde, was ook intrigerend, maar ook esthetisch bevredigend. Het begon voor het grootste deel zeer hoekig en sterk gebarend Jazz dans zelf. (En een groot deel van het vocabulaire is beïnvloed door jazzdans - bijvoorbeeld op basis van isolatie en parallel). Een meer kromlijnige en vloeiende kwaliteit kwam later met bongodrums die een melodielijn namen. De dansers bleven de muziek belichamen door middel van nieuwe benaderingen, het tastbaar maken van muziek in het lichaam is geen nieuw concept, maar dit werk bood dat op manieren die ik nog nooit eerder heb gezien.

De cinematografie en belichting van het stuk hielden ook de visuele ervaring dynamisch. De camera bracht ons later in het werk in close-ups, en toen de dansers een steeg in liepen, verlichtte een geel licht hen. Met die nieuwe verlichting kwam er een frisse tint over hun huid en kostuums - iets waarmee dans op film oneindig veel mogelijkheden biedt.

Wat ook de ervaring van het werk versterkte, was de authenticiteit en menselijkheid van de dansers. Er was een bescheiden en zeer menselijke kwaliteit aan de manier waarop ze samen bewogen, hoe verbluffend virtuoos ze ook waren. De persoonlijkheid van elke danser kreeg een moment in de schijnwerpers, iets leuks en vreugdevols om te zien. Voetgangerskleding in lijn met de klassieke jazzclub-sfeer versterkte dit gevoel. De eindkaders deden het ook, waarbij de dansers klapten, samen grooven en elk een paar momenten kregen voor een solo-opname en naamtegoed. De titel van het werk zelf is in die toon en geest: rechttoe rechtaan, scherp en toegankelijk. Het werk is precies wat de titel ons vertelt dat het is.

jean garcia instagram

In een post-performance chat bespraken Roberts en artistiek directeur Robert Battle de inspiratie voor en de context van het werk. Roberts erkende de tijd waarin we ons bevinden en het contrast tussen dat en de stemming van het stuk. Hij ziet het als dingen die we doen om onze moed erin te houden en op een veilige manier contact te maken met anderen - bijvoorbeeld voor fietstochten en naar het park. We kunnen jammen in moeilijke tijden en samen vreugde en creativiteit vinden. De discussie illustreerde het diepere begrip rond werken dat dergelijke gesprekken met choreografen kunnen opleveren.

Testament , gechoreografeerd door Associate Artistic Director Matthew Rushing in samenwerking met Clifton Brown en Yusha-Marie Sorzano, was een stuk om Ailey's baanbrekende werk te herdenken, te eren en te zien vanuit een nieuwe lens Openbaringen in zijn 60^thjubileumjaar Leuk vinden Openbaringen , concentreert het werk een verhaal over 'pijn in macht veranderen' en de cyclus van 'treuren om hoop', zei - in een post-performance gesprek met de drie choreografen. De drie - “Team Testament”, zoals ze vreugdevol deelden in de post-performance chat - bespraken ook hoe gedeelde verhalen en “tastbaar bewijs” centrale ideeën zijn die het werk hebben gevormd.

Alvin Ailey Amerikaans danstheater in ‘Testament’ van Matthew Rushing, Clifton Brown en Yusha-Marie Sorzano in Wave Hill PGCC. Foto door Travis Magee.

Het stuk begon met mensen die samen bewogen, en met de ademhaling van een vrouw scheen een kaars. Toen de vlam even later uitdoofde, waren er beelden van zwarte pijn en onderdrukking - beelden die intens waren om te ervaren. Daarna volgde het eerste ensemblesectie, met dansers op een leeg podium in een strakke en lineaire formatie. Er was een geluidslandschap van water en wind, van een storm op zee. Lichtstralen schenen naar binnen en verlichtten een verder donker podium. De partituur zong: 'Waarom ben ik hier? / Wat is deze plek? / Wat heb ik gedaan om hier te komen? ' Ik dacht meteen aan de Midden-Passage, tussen Afrika en Amerika - waar het waarschijnlijk allemaal begon.

De beweging had een bereik en een wanhoop, maar op andere momenten een angst en terugtrekking in zichzelf. Momenten van stilte en lege uitdrukkingen duidden op een gebrek aan hoop en berusting bij het huidige lot. Een van de krachtigste bewegingswoordenschat was langzame unisono-beweging, het eenvoudig opheffen van een been boven de heup terwijl het op de zij lag.

Het volgende deel bevatte twee dansers, elk in een lange schijnwerper. Er was virtuositeit op hoog niveau in diepe bochten, hoge extensies en krachtige bochten. Maar wat het meest significant aanvoelde, was wat er niet was - het gebrek aan verbinding tussen hen en het gebrek aan het verlaten van de ruimtes die hun schijnwerpers verlichtten. De eenvoudige elektronische tonen van de partituur versterkten dit gevoel van wat er ontbrak. Ze bewogen vooruit en achteruit, wat actie signaleerde, maar ze waren niet in staat om die barrières te doorbreken en met elkaar in contact te komen. Dat was tot een opmerkelijk punt, toen ze voor het eerst naar elkaar keken - een moment dat zijn tijd kostte en resoneerde.

Beelden van onderdrukking van zwarte mensen flitsten opnieuw over het scherm, en volgend op dat van verzet tegen die onderdrukking: van MLK Jr., protestborden en samen staan tegen intimidatietactieken. Daarna volgde een opzwepende ensemblesectie van dansers die samen bewogen met kracht, overtuiging en doel - letterlijk samen vooruit. Hoeken in beweging brachten kracht over, terwijl curven aanpassingsvermogen en complexiteit illustreerden. 'Ik ben hier / ik ben waardig' zong het lied - en alles over de aanwezigheid van de dansers sprak die waarheid.

Het volgende deel was een solo om het hart echt te beroeren - een vrouw die danste in haar kracht, maar met opwinding en problemen in haar lichaam en ziel duidelijk aanwezig. De toespraak in de partituur sprak van emotionele onrust en eenzaamheid op die onrustige plek. Die woorden herinnerden me eraan dat, terwijl we spreken en dansen over bevrijding, geestelijke gezondheid geen aspect is om te vergeten.

Dansers cirkelden om haar heen, alsof ze steun en bescherming wilden, en de toespraak veranderde in die over in haar macht zijn en naar voren treden in de helderheid van haar overtuigingen. Op het scherm flitsten foto's van zwarte leiders en visionairs - van Frederick Douglass tot Harriet Tubman tot Rosa Parks tot Malcolm X tot James Baldwin. Eindelijk zagen we Michelle en Barack Obama en vice-president Kamala Harris. Mijn hart kon niet anders dan een sprongetje maken.

John Brotherton lichaam

Het schot verschoof weer naar buiten, met een grote groep aan het dansen. De beweging was deze keer zachter, lichter en vreugdevoller dan in die eerste ensemblesectie. Het was alsof ze niet langer hoefden te duwen en vechten en te bewijzen dat ze het gewoon konden worden Gebaren versmolten tot nieuwe gebaren, stekels golfden en energie straalde vanuit hun centrum naar buiten hun kinesferen.

Maar dat wat onzeker is, bleef bestaan. De hoofddanseres zag een andere vrouw met een hoofddoek en liep naar haar toe, terwijl de andere dansers bleven bewegen - het was terug bij het openingsshot. Ik dacht erover na hoe het gewicht van de geschiedenis niet volledig kan worden afgeworpen - wat verloren is gegaan en wat had kunnen zijn, zal nooit volledig worden herwonnen. Aan de andere kant is de erfenis en kracht van degenen die eerder kwamen ook iets dat bij ons blijft.

In moeilijke tijden kunnen herinneringen aan dergelijke waarheden - door middel van kunst - meer dan ooit betekenen. Deze werken voelden alsof ze gevormd waren door deze tijden en boden daarin ook iets essentieels aan voor degenen die in deze tijd leefden van deze tijden en voor deze tijden. Interessant is dat kunst van en voor een bepaalde tijd datgene kan zijn dat door de eeuwen heen resoneert. Ik geloof echt dat deze werken, en het grotere seizoen waarin ze werden gepresenteerd, zullen worden herinnerd voor wat ze aanboden, toen ze het aanboden - inderdaad iets speciaals en lovenswaardig.

Door Kathryn Boland van Dans informeert.