Camille A. Brown & Dancers in 'Mr. Tolerantie'. Foto door Christopher Duggan. Het Joyce Theatre, New York, NY.
10 november 2019.
Het kan echt opvallend zijn om achterover te leunen en na te denken over de ontwikkeling van de Amerikaanse 'popcultuur'. Interessant is dat zoveel ervan is afgeleid van de tradities van degenen die door de Afrikaanse diaspora zijn ontheemd. Hartverscheurend waren dat dezelfde mensen die door de Amerikaanse cultuur werden onderdrukt, onderdrukt en ontmenselijkt. Wat ook verbazingwekkend is, is hoeveel vreugde, dankbaarheid en liefde er in deze culturele producten schuilgaan - van dans tot muziek tot poëzie tot beeldende kunst - zelfs in het licht van een dergelijke onderwerping (en de strijd die daaruit voortvloeide).
Door beweging, muziek, theatrale vignetten en projectieontwerp, Camille A. Brown & dansers Dhr. Tolerantie bood dit soort licht en vreugde, als het op andere momenten een licht scheen op de hardere waarheden van de raciale geschiedenis van dit land. Het voelde als een ode aan 20theeuwse 'zwarte' cultuur, en ook deels een aangrijpende verklaring over de zonden van het verleden (en, naar waarheid, het heden) van Amerika met betrekking tot ras.
Levendigheid was aanwezig en duidelijk vanaf de opening van de show. Dansers verhuisden samen in een grote groep en bouwden een gemeenschapsgevoel op. Ze droegen fedora's, ouderwetse sneakers en broeken met bretels - wat een coole Urkle-vibe creëerde (een niet-nerdy versie van de geliefde Fresh Prince Of Bel Air karakter, zullen we maar zeggen). Een live pianist (Scott Patterson, ook de componist) begeleidde hen. Al snel verzamelden ze zich in een halve cirkel, waarbij de danser in het midden hun “moves” aan de groep liet zien (een soort “cypher” creëerden, gebruikelijk in de hiphopdanswereld).
De een deed de 'worm', een ander sprong met een been door de ander terwijl hij hem vasthield (een indrukwekkende 'b-boy' / 'b-girl'-truc), en een andere articuleerde door gewrichten en gebaarde - een gladde, vloeiende vorm van de' animatie ”dansvorm. Veel hiervan leek op begeleide improvisatie, een benadering die - als het goed wordt gedaan - verhelderende structuur kan bieden en tegelijkertijd dansers in staat stelt te bewegen op een manier die voor hen het meest natuurlijk is (en dus zijn ze de sterkste dansers).
Al snel voegde spraak zich bij beweging en muziek om nog meer vreugde en plezier te brengen. Dansers telden '5,6,7,8!' en zei dingen als 'Eet het op!' en 'Hallelujah!' Ik hoorde geklap en gelach van het publiek. Kleinere groepen kwamen binnen en voerden (schijnbaar) setchoreografieën uit die Browns unieke meeslepende en aangename bewegingsvocabulaire demonstreerden. Een trio voerde bijvoorbeeld levendig voetenwerk uit en bewoog vervolgens hun romp heen en weer - twee dansers die zich in de tegenovergestelde richting van elkaar bewogen. Deze beweging was bevredigend en gedenkwaardig vanwege zowel zijn energetische kwaliteit als zijn esthetiek.
john hilinski netto waard
Een ander belangrijk element van het werk - de esthetiek, de benadering, de betekenis - kwam al snel op de poster voor de iconische show Verschillende slagen vulde de achtergrond. Daarvoor kwam de zin 'En samen komt het wel goed', waardoor ik dieper ademde en glimlachte. Het voelde kalmerend en geruststellend aan. Al snel kwam de Amos en Andy poster, en vervolgens die van De Jeffersons De poster voor De verse prins van Bel-Air vulde vervolgens de achtergrond en de dansers tikten op de rap van het klassieke Will Smith-personage.
Later in het werk vroegen twee dansers elkaar: 'Wa'chu talkin 'bout, Willis?' in verschillende intonaties, wat ons terugbrengt naar Verschillende slagen Het publiek (inclusief ikzelf) grinnikte om deze referenties en hun levering. In mijn eigen levenservaring (zoals precies in het midden van de millenniumgeneratie, chronologisch gesproken), de poster voor Zwartachtig vulde het podium. Het duurde niet lang voordat het element van het eren van 20thde 'zwarte' cultuur van de eeuw was mij duidelijk genoeg. Het voelde als een fascinerend retrospectief, eentje die ik met plezier meemaakte.
Hoewel veel van de beweging - en de algehele sfeer - behoorlijk energiek was, boden langzamere momenten een rustiger, meer contemplatief gevoel. Ik vroeg me af of meer van dat soort secties eerder in het stuk een grotere emotionele en atmosferische balans zouden brengen. Maar als Brown ging voor meer van die levendige, vrolijke sfeer, was dat evenwicht misschien niet het doel (terecht, terecht).
ty pennington hoogte
Een van die langzamere secties kwam na een sectie van bijzonder hoogenergetische bewegingen (knieën die naar de borst stijgen en naar de grond draaien met weer omhoog gaan). Lichten vervaagden tot blauw en pianomuziek vertraagde, noten werden langer en lager. Een solist bewoog zich met hetzelfde gevoel van contemplatie en verkende de mogelijkheden van bewegingsnuance binnen individuele ledematen. Ze hief haar armen opzij en bewoog zich erdoorheen naar andere delen van haar lichaam, waarbij ze polsen omcirkelde en door haar ellebogen golfde in schouders en romp. Deze beweging voelde doordacht en authentiek aan.
Dit gedeelte kwam voordat er een rood gordijn op de achtergrond viel, dat deed denken aan klassieke tekenfilms (wat ik me kan herinneren uit mijn kindertijd toen ik achter Bugs Bunny zei: 'Guup, guup guup, dat zijn alle mensen!'). Meneer Jefferson stak zijn hoofd uit en maakte het publiek aan het lachen. 'Act II - Verander de grap, laat het juk glijden' verscheen cursief op de achtergrond. Bij nader inzien van het programma voegde Brown een citaat toe dat verband hield met deze acttitel. Het wees op marginalisatie en afhankelijkheid van de machtigen.
Toen ik dit las, was ik bedroefd en ontmoedigd toen ik eraan dacht dat de Afrikaans-Amerikaanse cultuur werd toegeëigend en te vaak het 'mikpunt van de grap', om zo te zeggen, terwijl (voor het grootste deel) machtige blanke mannen in de 20theeuwig amusement profiteerde van toenemend geld en macht. Vooral als iemand die de voordelen van blanke privileges heeft geplukt (en dat zal blijven doen), is het belangrijk dat mensen zoals ik worden aangespoord om na te denken over deze historische misstanden. Dan kunnen we betere bondgenoten zijn in de strijd om te elimineren hoe ze de gemarginaliseerden in het heden en de toekomst blijven manifesteren en schade toebrengen.
Brown betrad zelf het podium na deze verschuiving naar een tweede bedrijf. Het publiek applaudisseerde bij het zien van haar. Een verleidelijke syncope ging dwars door haar gewrichten, een muzikaliteit die pezig maar toch precies was. Ze straalde een kalm zelfvertrouwen uit en leek niets te bewijzen. Al snel voegden zich andere dansers bij haar, met witte handschoenen aan en energiek gebarend. Deze keuze verwees naar afbeeldingen in de popcultuur van mensen van kleur in de media. Het onbehagen in de beweging en de algehele sfeer wezen op de pijn achter, en die soms voortkomt uit, deze voorstellingen.
Vervolgens kwam er een spelshow op het podium (met een titel waarvan ik als blanke niet het gevoel heb dat ik kan schrijven, zeg ik maar). Komisch, scherp en betekenisvol hield het een spiegel voor de problematische manieren waarop mensen van kleur in de media worden vertegenwoordigd. Overal waren de dansers en het ontwerp (zoals de heldere achtergrond en het gebruik van geel papier als rekwisieten) levendig en zelfverzekerd. Toch waren de gesproken woorden vernietigend en ontmoedigend.
Een langzamer, meer reflecterend gedeelte volgde, een solist die zich bewoog met gewicht en opwinding. Achter hem was een projectie van een danseres die op hem leek, op dezelfde manier gekleed en zich op dezelfde manier bewoog, maar de timing en kwaliteiten verschilden. Er was een ruimte tussen wat er voor ons gebeurde, in het vlees, en wat er op het scherm gebeurde. Die ruimte leek een conflict te veroorzaken voor de persoon die in realtime bestond en beweegt. Brown en de gehandschoende dansers keerden snel terug en verschenen achter de achtergrond terwijl deze opstond. Patterson speelde 'What a Wonderful World' van Louis Armstrong op de piano. Hoewel de dansers met dezelfde intensiteit bewogen, was er een nieuwe kalmte en contemplativiteit die het lied weerspiegelde.
Een voor een vielen de dansers op de grond om Brown te laten staan. Het gordijn viel. Ik bleef achter met een gevoel van mysterie en onzekerheid over de toekomst. Het werk dat eindigde met dat hoopvolle lied maakte ook indruk op mij dat ik het voor mezelf zong toen ik het theater uitliep. In het licht van onderdrukking en de blijvende gevolgen ervan, was er vreugde en genade. Dat is een diepgaand resultaat, een resultaat dat vakkundig vervaardigde, goed gepresenteerde danskunst kan illustreren.
Door Kathryn Boland van Dans informeert.
