Paulo Arrais en Irlan Silva in Wayne McGregor's 'Obsidian Tear'. Foto door Rosalie O'Connor, met dank aan Boston Ballet. Operagebouw van Boston, Boston, Massachusetts.
3 november 2017.
De spanning tussen de wil van het individu en die van de groep is zo oud als de tijd. In klassieke dans is er deCorps de balleten solisten. Traditioneel gesproken,lichaamleden moeten samen een verenigd geheel vormen, terwijl solisten de taak hebben om volledige en gedenkwaardige personages, archetypen of ideeën te belichamen. Sommige danskunstwerken kunnen deze structuur gebruiken om verenigde groepen uit te beelden en degenen die daarvan afwijken, die 'buitenbeentjes' die buiten de lijntjes durven te kleuren. Het lijkt mogelijk te zijn gebleken, zelfs in ballet dat in een meer eigentijdse stijl is gemaakt.
sta Richardson nettowaarde toe
Boston Ballet in Wayne McGregors ‘Obsidian Tear’. Foto door Rosalie O'Connor, met dank aan Boston Ballet.
Boston Ballet demonstreerde een dergelijke benadering, met groot succes, in Obsidiaan traan - inclusief het titelwerk van Wayne McGregor en de wereldpremière van Vijfde symfonie van Jean Sibelius van Resident Choreograaf Jorma Elo. De algemene focus, geleverd met specificiteit en toch veelzijdige nuance die openstaat voor interpretatie, lijkt redelijk toepasselijk in 2017, verschillende sociaal-politieke krachten hebben ons ertoe gebracht na te denken over hoe we een evenwicht vinden tussen het dienen van het leven van het individu en het bloeien van het bredere collectief.
De Oxford Dictionary definieert 'obsidiaan' als 'een hard, donker, glasachtig vulkanisch gesteente gevormd door de snelle stolling van lava zonder kristallisatie' - inderdaad een merkwaardig woord voor de titel van een ballet. Dat gecombineerd met de grootse en dramatische voorgaande ouverture ('Finlandia' van Jean Sibelius, onder leiding van gastdirigent Daniel Stewart), en wij toeschouwers wisten niet wat we konden verwachten. Toch wisten we dat we een ritje zouden maken. De eerste dansers waren in het zwart, en een in het rood - een kleur die opviel als levendig en uniek. Andere dansers deden mee, maar allemaal in het zwart en geen enkele met dit opvallende rood (kostuums samengesteld door Fashion Coordinator Katie Shillingford). Het enige rood moest iets betekenen. Er moest iets groots komen.
McGregors beweging in dit stuk was als ahornsiroop - sijpelde op een aanhoudende manier maar met een op de een of andere manier scherpe en opvallende zoetheid. Een netwerk van de klassieke en meer gezamenlijk geïnitieerde tijdgenoot heeft misschien deze kwaliteit gebouwd. De muziek verweven zich door die beweging, met een continu meanderende kwaliteit. Omgekeerd, terwijl de dansers bewogen, leken verschillende groepen verschillende harmonische delen in de muziek te belichamen - hoog en laag, scherp en meergezegde
De beweging was ook nogal vormgedreven - soms complexer en waziger voor het oog, soms meer geometrisch en definitief. Het werd een geven en nemen, een balans tussen het gedefinieerde en het enigszins ondefinieerbare. Een echt gedenkwaardige vorm, visueel verbluffend maar ook schijnbaar sprekend over de verbinding tussen de dansers, waren armen die een lus vormden (dansers die polsen vasthouden) en de lus die naar het podium werd opgetild. Ze hebben dit vrijgegeven om opnieuw te lussen in een andere variatie.
Boston Ballet in Wayne McGregors ‘Obsidian Tear’. Foto door Rosalie O'Connor, met dank aan Boston Ballet.
Later liepen dezelfde twee samen het podium af - twee delen van een geheel, zo bleek. Toch was de danseres in het rood nooit bezig met dit soort verbindingen. Bovendien sloten meer dansers zich aan en kwamen om hem naar een richel te leiden - een van zwarte, scherpe, dikke en sterke rots. Obsidiaan Er ontstond een spanning van de strijd. Een danser stak zijn arm uit alsof hij een gebaar wilde maken 'vooruit, mannen!' Beweging groeide toen sneller, meer geometrisch en hoekiger - ellebooggedreven, met gebaren in verschillende vlakken en richtingen. Het voelde allemaal behoorlijk mechanisch aan. De danseres in het rood werd uiteindelijk naar de rand van de richel geleid. De spanning bereikte een hoogtepunt omdat hij daar moest staan terwijl krachtig, commandant dansen (in een duet en solo) zich onder hem afspeelde. Er leek geen ontsnapping mogelijk te zijn.
Op een vreemd sinistere manier liep een danser langzaam over het podium. Het haalde herinneringen op aan de langzame mars naar de sterfelijkheid. Het einde schijnbaar zo dichtbij voor deze buitenstaander in het rood, het was tastbaar genoeg om in fysieke vorm te worden weerspiegeld. De danseres op de richel probeerde te ontsnappen, maar werd vervolgens in een onbekende afgrond geduwd. Toen worstelde een andere danser voor het leven - een representatie van degene die viel, of een empathische connectie tussen hen als beiden levende, voelende mensen?
Boven deze danseres begon een duet van zware en geaarde bewegingen, van gespannen maar soepel uitgevoerde gewichtsverdeling. Dit gedeelte, evenals veel andere dingen over het stuk (zoals sommige in een geheel mannelijke cast die nogal vrouwelijke kostuums droegen) brak onverschrokken door de geslachtsgrenzen, waarbij de all-male partnering vormen en bewegingen omvatte die historisch door vrouwen werden gedanst. Het leek allemaal niet de aandacht op zichzelf te vestigen, omdat het niet de belangrijkste focus van het werk leek te zijn. Geslacht leek er gewoon niet toe te doen.
Wat meer het punt in kwestie leek, was de behandeling van deze ene danser in het rood - verstoten, belasterd en uiteindelijk tot zijn ondergang geduwd. Ook significant was hoe een hoofdleider van deze behandeling zelf van de richel sprong aan het einde - lichten en muziek vielen plotseling uit, en het gordijn viel snel naar beneden, om de schok van het observeren van die totaal onverwachte actie nog groter te maken. Eén afhaalmaaltijd - soms worden we geduwd en soms springen we. We zijn gedaan aan, en we doen aan onszelf. Een andere is dat degenen die de kwetsbaren pesten en verbannen uiteindelijk ook zichzelf pijn doen. Hoe het ook zij, of zelfs zonder een bepaalde morele boodschap af te leiden, het was een unieke en opvallende kunst om te ervaren.
Boston Ballet in de ‘Vijfde symfonie van Jean Sibelius’ van Jorma Elo. Foto door Rosalie O'Connor, met dank aan Boston Ballet.
Jorma Elo's Vijfde symfonie van Jean Sibeluis was merkbaar traditioneler, maar had zijn eigen soort eigentijdse inslag. Het begon echt met een knal, met het risico van cliché - maar eentje die op geen enkele manier cliché was. Vanaf het begin smolten formaties op zeer opvallende, innovatieve manieren in elkaar. Het was een ander soort continue beweging dan in het stuk van McGregor te zien was, in plaats van individuele groeperingen die continu in specifiek frasework bewogen, het algemene toneelbeeld veranderde voortdurend, veranderde en evolueerde. Met slim zinswerk, verschillende paren mannelijke en vrouwelijke dansers, in groen en kastanjebruin (kostuumontwerp door Yumiko Takeshima) bewogen binnen deze formaties. Dit frasewerk werd onderbroken door een paar specifieke bewegingsmotieven en vormen, waaronder 'V' -armen, 'scharen' van benen met opgeheven dansers (om bijna een gevoel van vliegen te creëren).
Het voelde allemaal grotendeels klassiek, maar zangerige uitbreidingen en vormgeving in samenwerking voelden overtuigend eigentijds aan. Iets belangrijks voelde echter nogal afwijkend van klassieke, plotloze balletstukken. Een danseres in het blauw (Ashley Ellis), die geen partner had, danste haar eigen unieke beweging. Op een gegeven moment, bijvoorbeeld, zat Ellis, draaide en trapte met haar voeten alsof ze op een fiets reed. Heeft haar eenzaamheid haar ervan weerhouden te vliegen en haar op de grond te houden, terwijl degenen met de steun van anderen konden vliegen?
De eenheid van de groep als geheel was in het begin niet zo geregeld. Dansers in duidelijke lijnen bewogen ledematen alle kanten op - een georganiseerde chaos. Dit veranderde allemaal in een duidelijker unisono - canon, groeperingen en dergelijke. Het karakter van Ellis leek echter niet bereid of in staat om zichzelf te definiëren binnen die verenigde identiteit. Zo sprongen in een mooi gedeelte dansers in vloeiend kruisende lijnen. De danseres in het blauw ging echter haar eigen weg.
Derek Dunn en Hannah Bettes in Jorma Elo’s ‘Fifth Symphony of Jean Sibelius’. Foto door Rosalie O'Connor, met dank aan Boston Ballet.
Uiteindelijk kwam de groep om een prachtig tafereel te maken - maar de danseres in het blauw zat met haar benen te leuren. Ze is nooit gekomen om echt bij de groep te komen. Toch was er een brede glimlach op haar gezicht. Ze leek in eenzaamheid te zijn, maar niet in eenzaamheid. Daarin toonde het werk in samenwerking met McGregor's een diversiteit aan ervaringen.
nick fink leeftijd
Er is sprake van uitsluiting en aanval van de buitenstaander, meestal uit angst - vaak uit angst voor verandering, om te verliezen wat men heeft gehad. Er is ook wanneer de groep en de buitenstaander tevreden zijn met hun eigen identiteit en huidige ervaring. Onze wereld (misschien meer nu dan in lange tijd) wordt momenteel geconfronteerd met deze vragen over hoe we een evenwicht vinden tussen de behoeften van het individu en de groep, van het welzijn van het peloton en dat van buitenstaanders - misschien nu meer dan in een lange tijd. .
Kunst is op zijn best een spiegel met meerdere panelen die de werkelijkheid weergeeft zoals deze is - of hoe die zou kunnen zijn. Dans, met toegang tot de kracht van oneindige mogelijkheden van lichamen in de ruimte - verenigd met de geesten en geesten van die lichamen - heeft misschien nog steeds een uniek vermogen onder kunstvormen. In Obsidiaan traan, Boston Ballet maakte met precisie en gratie gebruik van deze kracht.
Door Kathryn Boland van Dans informeert.
aanbevolen voor jou
