The Sanctuary Theatre, Cambridge, MA.
29 oktober 2016.
Met volwassenheid en verfijning komt het besef dat minder meer kan zijn. Understatement kan meer zeggen dan overdrijving. Met betrekking tot kunst stelt impliceren in plaats van vertellen het publiek in staat na te denken over hun eigen interpretaties van een werk. We bevinden ons in een tijd waarin artiesten op sociale media en televisiedansen het grote publiek versteld doen staan met atletische prestaties, maar ook hartverscheurend zijn met dramatische verhalen. Het programma van het Jose Mateo Ballet Theatre in Massachusetts Stuwende krachten , aan de andere kant, vertoonde controle over flitser en mysterie over duidelijke angst.
Het eerste stuk, Mozart uitgelokt , begon met zeer klassieke techniek, enscenering en uitvoeringskwaliteiten. Bepaalde secties kunnen tijdens het centrumwerk uit een balletles zijn getransplanteerd. Een decorontwerp dat erg geometrisch was - intrigerend, maar toch schoon en eenvoudig - betekende verschuivingen weg van het classicisme. Die kwamen met jazzy flairs in choreografie en onverwachte groepsformaties. In de eerste trio's en kwartetten waren danseressen technisch onberispelijk. Hun extensies waren niet torenhoog maar gecontroleerd en schoon. Unison-delen hadden echter meer unisono kunnen zijn.
Bij volledig mannelijke secties was die unisono er, maar hebben de dansers misschien kracht en persoonlijke signatuur in hun beweging opgeofferd om dat te bereiken? Zelfs met een van beide zeer kleine tekortkomingen, was het dansen prachtig om te zien. Het leek een subtekst van emotionele verbindingen en gehechtheden tussen de regels te ondersteunen. Een man-vrouwpaar verkende de mogelijkheden van romantiek, en een danseres maakte zich los uit het peloton om haar spullen te laten zien.
Onverwachte bewegingselementen van voetgangers (vaker gezien in hedendaagse dans), zoals het lopen van hiel-teen, spraken tot het breken van de conventie. Was dit een kijkje in de mentale dialoog van dansers tijdens de techniekles? Door te stoppen met voor de hand liggende dingen en de dingen ingetogen te houden, waren dergelijke interpretaties mogelijk.
De dansers toonden meer persoonlijkheid en karakter in het tweede stuk, 1796 (2015) (De muziek werd in 2015 aangepast van een Mozart-compositie uit 1796.) Hoewel iets duidelijker, werd het onderliggende verhaal nog steeds niet gedicteerd. Intrigerende formaties, zoals twee danseressen samen upstage en één mannelijke danser elk rechts-downstage en links-upstage, creëerden ruimtelijke spanning. Het sprak over verschuivingen in relaties tussen hen. Ze dansden met controle en gratie en hoefden geen ondenkbaar aantal beurten te maken om deze dingen over te brengen. In feite had zo'n flits gewoon een afleiding kunnen zijn.
Kostuums had ook die effectief discrete kwaliteit. Danseressen waren bijvoorbeeld in verschillende tinten roze / paars (magenta tot framboos). Dat heeft hen gestold als individuen die deel uitmaken van een collectief. Hun unieke bewegingshandtekeningen ondersteunden de eerste - een met een zeer trotse kistkoets en een andere met een unieke energie in voetenwerk, bijvoorbeeld.
De verschillende kleuren hielpen ook om ze te onderscheiden als specifieke karakters - handig voor wanneer een liefdesdriehoek groeide. Latere pas de deux stelde vast dat de vrouw in de relatie erachter kwam na ontrouw (of op zijn minst een zekere mate van onderzoek naar de mogelijkheid ervan). En was niet tevreden. Maar uiteindelijk was het de man die vertrok. Dit was een intrigerende nieuwe manier om een oud, zelfs banaal verhaal te vertellen.
Het derde en laatste stuk, Opnieuw en opnieuw , verhuisde naar een compositie van Philip Glass. De muziek leek de toon te zetten voor vrij eigentijdse bewegingen, maar veel ervan was klassiek. Dit werkte echter met een intelligente mix van klassiek, jazzy en hedendaags bewegingsvocabulaire. Een gebogen handpalm naar boven door de andere arm (die gebogen was bij de elleboog en die hand in het hart) werd bijvoorbeeld een kenmerkende beweging.
Dansers voerden diezelfde beweging op verschillende momenten en op hun eigen manier uit. Dat ondersteunde een algemeen idee dat de dansers in een samenhangend collectief zaten, maar elk autonoom was. Het stuk leek te voeden met een spanning tussen die twee manieren van zijn. Met name doelgerichte, goed uitgevoerde épaulement en blik hielpen die spanning voelbaar te houden. Slimme enscenering ondersteunde die elementen. Een opvallend moment was bijvoorbeeld dat twee dansers diagonaal achterwaarts in elkaar liepen en dan langzaam naar elkaar staarden en naar elkaar toe draaiden. Het sprak romans, veel meer dan een torenhoge sprong zou kunnen zeggen.
Het stuk eindigde zoals het begon, met een enige danseres op het podium. Ze voerde die kenmerkende beweging naar de hemel uit, alsof ze naar de hemel smeekte. Die actie, gecombineerd met het aanbod van het stuk in het algemeen, impliceerde dat we inderdaad in een geweldige gemeenschap zijn met de medemens - maar alleen in ons unieke bewustzijn. Het is een innerlijke kracht die soms in strijd is met de externe krachten overal om ons heen.
Met understatement, wijsheid en creativiteit portretteerde Jose Mateo Ballet Theatre beide soorten krachten als aandrijvend. We worden gedreven en gedwongen wanneer we worden achtergelaten om enkele van de antwoorden voor onszelf te ontdekken - in de kunst en in het leven. We groeien dan, en laten de gemeenschappen groeien waarin we willen leven.
Door Kathryn Boland van Dans informeert.
Foto (boven): Jose Mateo's ‘Impelling Forces’. Foto door Gary Sloan.
aanbevolen voor jou
