KAIROS Danstheater in 'OBJECT.'. Foto door Golden Lion Photography. Boston Center for the Arts, Boston, MA.
17 november 2019.
De veelheid in KAIROS Danstheaters VOORWERP. begint ongeveer zo vroeg mogelijk, met de titel van het werk gericht op het behandelen van vrouwen als objecten (het zelfstandig naamwoord), maar de titel wordt uitgesproken als het werkwoord (“ik maak bezwaar”). Een krachtige boodschap wordt geïmpliceerd in een woord met een hoofdletter en een punt - 'Ik maak van ganser harte bezwaar tegen de objectivering van vrouwen.' Zo'n elegant gevormde, toegankelijk gepresenteerde complexiteit kenmerkte het werk van begin tot eind. Het kostte ons de tijd, verschillende sferen en de interne ervaringen van vrouwen. Het programma hield zich niet tegen om moeilijke dingen te illustreren of te ervaren, maar het resultaat was het potentieel om het soort diepgewortelde emotie op te wekken dat nodig is om verandering te stimuleren.
Het werk opende met het hele gezelschap - zes dansers - in een zuivere formatie. Ze droegen witte bustehouders en donzige onderkleding, als weerspiegeling van vrouwenkleding van weleer. Daar bovenop waren donzige tutu's in lichtblauw en roze, drie in roze en drie in blauw (kostuums ontworpen door artistiek directeur en choreograaf Deanna Pellechia, met hulp van Carlos Vilamil en I.J. Chan). Belangrijk voor het werk dat nog moest komen, was dat ze hoge hakken van helder glas droegen. Ze begonnen te dansen, ietwat 'schattig' van stijl. Ze voerden robotbewegingen uit die popachtige kwaliteiten weerspiegelden, stijf en beheerst. Ze lieten nooit hun grote, lieve, charmante glimlachen vallen. Partnerschap in een klassiek ballet-idioom verwees in bredere zin naar traditionele geslachtsrollen en -tradities. Met de partituur die het klassieke lied zingt 'kus hem en knuffel hem, laat hem zien dat je om hem geeft ... en je zult de zijne zijn', paste het allemaal bij elkaar. Dit waren vrouwen gevangen in een patriarchale verwachting van schoonheid, en bestonden voor mannelijke goedkeuring en plezier. Dit gedeelte was een belangrijk precedent voor waar het werk naartoe zou gaan.
capezio keert terug
Ook intrigerend was het gebruik van muziek met teksten die een beetje een ongeschreven 'nee-nee' zijn in de hedendaagse dans, of in ieder geval iets dat spaarzaam en met uiterste voorzichtigheid moet worden gedaan. Maar in veel delen van het werk zorgde Pellechia ervoor dat hedendaagse beweging en muziek met teksten samenwerkten om een zinvol, krachtig effect te bereiken. De dansers voerden die beweging uit met verfijnde muzikaliteit, bewegend op muziek met en zonder tekst. (Sound Score ontworpen door Kristin Wagner, ook Rehearsal Director.) Onmiddellijk na dat eerste deel was een ander opmerkelijk element van het totale werk - projectie op een klein gebied en een bovenhoek van de achtergrond, de rest verduisterde (lichtontwerp door Lynda Rieman ).
De eerste van deze geprojecteerde beelden was een advertentie voor een stencilmachine, een kantoorsecretaris die zo tevreden was met de prestaties en oh zo voldeed aan de eisen van haar mannelijke baas. De zwart-witte kleurstelling, evenals haar stijl van spreken en kleden, plaatsten haar in de jaren vijftig of begin jaren zestig (wat velen nu het 'Madmen' -tijdperk noemen, verwijzend naar het populaire HBO-drama). De mate van onderwerping aan haar mannelijke baas en haar algemene houding waren hoogstwaarschijnlijk onaangenaam voor de meeste moderne toehoorders. Maar net als bij veel andere secties en elementen van de show, bevestigde iets hieraan dat we niet zo ver zijn gekomen met gendergelijkheid als we soms denken. Deze advertentie wees ook op de rol van het kapitalisme bij het objectiveren van vrouwen.
Een volgende sectie demonstreerde een duisternis onder die grote glimlachen en flikkerige tutu's. Dansers droegen huiveringwekkende 'smile maskers' - maskers met een grote glimlach die hun mond bedekte, stevig vastgebonden en onbeweegbaar (banden om de achterkant van hun hoofd). Pellechia onderzocht hoe vrouwen met psychische problemen, of simpelweg gezien als strijdlustig en 'lastig', deze maskers moesten dragen (echte dingen uit de twintigste eeuw). Verduisterde verlichting versterkte deze verschuiving van sfeer en stemming naar iets sinister.
Een deel van mij kon visceraal het letterlijke en metaforische gevoel van beklemming voelen dat een dergelijk apparaat zou kunnen veroorzaken (het gevoel dat iemands stem tot zwijgen werd gebracht, en in een zeer letterlijke, fysieke belemmering voor een volledige, gezonde ademhaling). Beweging weerspiegelde ook dat beklemde gevoel - gespannen, schokkerig en ongemakkelijk. Het was bijna alsof een kracht van buitenaf hen bewoog, in plaats van dat ze uit eigen beweging bewogen.
In latere secties kwam nog een ander opmerkelijk element naar voren: hoe vrouwen zelf dat gevoel van beklemming bestendigen door hun blik op elkaar. Bij een trio zaten twee andere dansers aan de rand van het podium, tegenover degenen die aan het dansen waren. Later danste Wagner een memorabele solo van geëngageerde, technisch vaardige en genuanceerde bewegingen. Een complexe, stormachtige emotionele ruimte, evenals een gevoel van gewoon niet kunnen behagen (en zeker niet door gebrek aan proberen), leek duidelijk.
In dit gedeelte keken nog meer dansers haar aan vanaf de rand van het podium, aandachtig starend. Ik kon bijna de wrede woorden horen die vrouwen elkaar kunnen noemen, inclusief beschuldigingen van preutsheid of promiscuïteit (nogmaals, dat gevoel van niet kunnen behagen), weerklinken door mijn hoofd. Maar ik dacht ook dat dit een getuigenis kon zijn, een erkenning van de strijd van een medevrouw - of misschien zelfs een van beide? Dat kan de complexiteit zijn van de manier waarop vrouwen met elkaar omgaan, die deze creatieve keuzes overtuigend hebben onderzocht en uitgebeeld.
Binnen deze secties gebruikte Pellechia effectief bewegingsmotieven, waardoor de toeschouwers stukken konden baseren waaraan ze konden vasthouden (een analogie: stand-up comedians / comediennes die eerdere grappen in hun set opriepen). Een secundair effect van deze aanpak, door een gevoel van continuïteit, was dat de boodschap werd versterkt dat de dingen niet zo veel zijn veranderd als we soms denken dat ze zijn. Deze beweging was veelzijdig, aanlokkelijk en meeslepend theatraal. Wagner bood er veel van aan in haar gedenkwaardige solo - benen wijd openen en ze dan weer tegen elkaar klappen, achterover buigend en haar ellebogen naar binnen brengen terwijl haar handen omhoog reikten, haar paardenstaart vastgrepen en (huiveringwekkend) haar eigen hoofd hoger tilde.
Eerder, voor de pauze, danste Pellechia alweer een gedenkwaardige solo, gedenkwaardig vanwege het unieke karakter van het werk - beweging met meer gemak en continuïteit dan veel van de beweging elders. Terwijl ze naar de vloer daalde, trok er nog steeds een energetische lift door haar kruin. 'Waarom kan ik niet conventioneel zijn?', Zong de partituur terwijl ze danste. Ik vond deze woorden interessant samen met dat unieke karakter van haar beweging binnen het werk.
Tegen het einde kwam een deel van de dansers met één hiel: ongelijk stapten, en - indrukwekkend - schoppen, uitwijken en dan ronddraaien tot een 'x' -vorm op de grond. Dat ongelijke stappen creëerde een overtuigend auditief element. Op een breder niveau onderstreepte de sectie het ongelijke, onevenwichtige gevoel dat vrouwen kunnen voelen door het navigeren door zoveel fijne lijnen van gepastheid en verwachting (teruggaand naar dat gevoel dat ze het nooit helemaal goed kunnen krijgen).
Daarop volgde een sectie die vooral in staat leek om de buik van vrouwen (of empathische mannen) in het publiek te wringen, meer dan wat dan ook tot op dat moment op de werkstem van (nu) president Donald Trump op die beruchte Access Hollywood-bus klonk door het theater. Terwijl ze zich bewogen, nog steeds gespannen en ongemakkelijk, leggen dansers hun handen op de maag - alsof ze ziek zijn. Bij die onvergetelijke woorden, jaren en jaren geleden gesproken (maar nog steeds op zoveel manieren door onze cultuur klinken), voelde ik me ook misselijk.
Toen klonk een vrouwenstem die objectivering besprak en aanzienlijke schade aan de geest en het lichaam van vrouwen veroorzaakte. Dansers begonnen hun glazen hakken af te werpen, ze keer op keer in woede. Er kwamen meer schoenen op het podium, en die gooiden ze ook. In een ander teken van het gelaagde, genuanceerde karakter van deze show, verbond het glazen muiltje zich met het verhaal van Assepoester. Het culturele verhaal waaruit de geliefde Disney-film is voortgekomen, komt uit China, waar het vereren van kleine voeten leidde tot martelende voetbinding voor duizenden en duizenden jonge vrouwen door vele eeuwen heen.
Op het programma-omslag stond een citaat van Maureen Johnson over 'bezwaar maken' tegen de 'objectivering' van vrouwen (terug naar die prachtige dubbele betekenis in de titel). Zo werden de hakken een symbool van objectivering, en het afwijzen van de hakken - met kracht - werd een symbool van het afwijzen van objectivering. Terwijl ze de glazen hakken gooiden, juichten de toeschouwers. Die symboliek leek voor velen die die avond aanwezig waren duidelijk, al was het maar onbewust.
Toen kwam een einde dat niet zo duidelijk was, maar ook schijnbaar rijp met het potentieel voor genuanceerde betekenis. Een danseres liep op handen en voeten terwijl andere dansers haar rug laadden met die glazen pantoffels: voorzichtig, langzaam, een voor een. De last op haar rug groeide en groeide. Ik was verbaasd of dit refereerde aan 'blank feminisme', of blanke vrouwen die voor zichzelf pleiten en niet voor vrouwen van kleur - en hen daarmee een last opleggen? Deze danseres is een Aziatische vrouw, maar dat geldt ook voor andere dansers die hakken op haar rug legden.
De lichten gingen uit terwijl ze op handen en knieën liep, met haar rug onmogelijk gestapeld met hakken (ik was oprecht onder de indruk dat ze niet allemaal vielen). Hoewel dit einde me niet duidelijk leek, leek het me ook dat er een krachtige, inzichtelijke betekenis was die me ontging. Gezien de bekwame nuance van de rest van de show, zou dat alleen maar het meest logisch zijn. Hoewel ik het gevoel heb dat ik een proefschrift zou kunnen schrijven over dit veelzijdige, inzichtelijke, vakkundig gemaakte en gepresenteerde werk, zal ik deze recensie met dankbaarheid afronden jegens KAIROS Danstheater en alle betrokken artiesten. Bedankt dat je met moed, vaardigheid en vrijgevigheid licht hebt geschenen over deze tijdloze kwestie.
Door Kathryn Boland van Dans informeert.
aanbevolen voor jou
