Boston Ballet in 'Donizetti Variations' van George Balanchine. Foto door Rosalie O'Connor, met dank aan Boston Ballet. Operagebouw van Boston, Boston, Massachusetts.
23 maart 2017.
'Alles is eerlijk in liefde en oorlog', zeggen ze. Je zou daar kunst aan kunnen toevoegen - wat betekent dat, als ze goed gemaakt en opzettelijk zijn, alle artistieke benaderingen waarde kunnen hebben. Gezien de oneindige mogelijkheden van het menselijk lichaam en zijn vermenging met andere artistieke media, geldt dat vooral voor dans. Sommige dansgezelschappen tonen de veelzijdigheid en doelgerichte manier van werken die hen in staat stelt om werk te bieden in elke artistieke benadering, met gratie en stijl. Met Vleugels van was , Heeft Boston Ballet eens te meer laten zien dat ze zo'n gezelschap zijn.
Boston Ballet in de ‘Donizetti Variations’ van George Balanchine. Foto door Rosalie O'Connor, met dank aan Boston Ballet.
De eerste van drie werken op het programma was Donizetti-variaties, een nogal klassiek gestileerde George Balanchine-re-enscenering. De visuele esthetiek van babyblauwe, witte en roze (voor de ballerina's) kostuums en een bijpassende babyblauwe achtergrond vormden een harmonieuze, aangename basis voor het komende dansen (kostuums met dank aan Miami City Ballet). Casting van drie mannelijke dansers en zes ballerina's maakten ordelijke formaties van driehoeken, lijnen van paren en andere numerieke verkenningen mogelijk. Regelmatige verschuivingen in die formaties, evenals het tempo, brachten intriges en een gevoel van plezier bij deze ordelijke kwaliteit.
Kenmerkend voor Balanchine-werken,allegrowas een halsbrekende snelheid. In meergezegdesecties, lijnen en verlengingen waren vloeiend en pulseerden van energie. Een sectie met beide kwaliteiten bevatte een van de drie paren waarin de eerste ballerina draaide, bood eenarabeskenleunend, en de twee andere paren volgden haar. Kenmerkend voor de werken van Balanchine waren ook ironische momenten die verwijzen naar postmoderne trends zoals meta-analyse (kunst die commentaar geeft op zichzelf) - waaronder een van een ballerina die haar teen schijnbaar stoot en haar controleertpuntschoen en op weg terug naar haar plaats in formatie. Een nogal klassiek werk over het algemeen, maar toch modernere momenten waren zeker een eerlijk spel, en droegen bij aan het plezier dat het stuk bood.
Het volgende werk was de naamgenoot van het programma,Jirí Kylián’S Vleugels van was. Onmiddellijk opvallend was een omgekeerde boom met vele kale takken. Gedempt licht en zwarte kostuums droegen bij aan een algeheel uitgeklede Spartaanse kwaliteit. Een zwervend zoeklicht dat boven haar hoofd cirkelde, droeg bij aan het overkoepelende mysterie. Soms kwamen de dansers heel dicht bij de laagste takken van de hangende boom, en de toespelingen op het verhaal van Icarus en zijn smeltende vleugels waren heel duidelijk. Toch waren die toespelingen meer gelaagd en genuanceerd dan alleen maar verwijzingen, misschien een herformulering van het oude verhaal voor de complexiteit van de moderne wereld.
Boston Ballet in de ‘Wings of Wax’ van Jirí Kylián. Foto door Rosalie O'Connor, met dank aan Boston Ballet.
Een deel van die herformulering waren verwijzingen naar de kwaliteiten van menselijke interacties. Dansers deelden en weerstonden elkaars gewicht, waarbij ze vakkundig de trekkrachten van kinetische krachten manipuleerden. Paren met gekruiste polsen lieten een danseres schijnbaar over Marley schaatsen in een lage, sappige plié, bijvoorbeeld. Er was zowel een aantrekkingskracht op de ander als een weerstand tegen de ander. Zonder enig sociaal commentaar, was dit gebruik van gewicht en zwaartekracht prachtig om te zien. Er waren andere van zulke prachtige zinnen die krachtig sociaal commentaar hadden kunnen geven, maar afgezien daarvan behoorlijk waardevol zijn.
Een van die momenten was met een groep dansers die langzaam op hun plaats liep, terwijl een ander atletisch en snel voor en om hen heen danste. We bewegen ons vaak met verschillende snelheden en missen elkaar soms. Maar het is onvermijdelijk dat we ruimte en tijd delen. Toch was deze sectie echt iets om te ervaren zonder zo'n interpretatie. Het werk eindigde op een vergelijkbare manier, met een man-vrouwpaar dat zich van borst tot hoofd om elkaar heen wikkelde, naar binnen vouwde en vervolgens losliet om van kant te wisselen. Ze bleven met die beweging van kant wisselen terwijl het gordijn viel. Het was een betoverend einde van de ervaring, en ook een potentieel rijk aan betekenis over de cyclische aard van ons leven en de relaties daarin. Het stuk bracht ons ver in het postmoderne rijk dan de eerste zich durfde te wagen. Toch bood elk werk iets speciaals op zich.
Het derde en laatste werk op het programma, dat van Alexander Ekman Cactussen , was nog meer postmodern. De meta-analytische focus was vanaf het begin duidelijk, met commentaar op de manier waarop klassieke en hedendaagse artistieke krachten botsen, maar vervolgens kunnen verzoenen door compromissen en samenwerking. Muzikanten kwamen uit de schaduw terwijl dansers opstonden, bewegend met intrigerend en onconventioneelport de braspatronen. Mist rees uit de schaduwen omhoog in het gedimde licht (lichtontwerp door Tom Visser). Deze mysterieuze sfeer was vreugdevol en energiek, in plaats van angstig. Lichaams- en vloerpercussie zorgden bijvoorbeeld voor een boeiend ritme. Uiterst atletische bewegingszinnen waren net zo boeiend.
Andere momenten op het tableau boden een overtuigend contrast met die hectische, atletische beweging. Een pittoresk moment was er bijvoorbeeld een waarbij alle dansers knielden, een arm uitstrekten op schouderhoogte terwijl ze allemaal in die richting keken. Het algemene niveau in de ruimte steeg toen dansers hun witte planken optrokken, om ze te verlagen en weer omhoog te brengen. Meer atletische prestaties sierden het podium toen dansers opsprongen en achter hun planken verdwenen. Met de betekenis die werd verdiept naarmate de vertelling opnieuw begon, identificeerde de spreker deze witte planken als 'ivoren sokkels' en verwees hij naar hoe kunstenaars op deze sokkels hebben geleefd en zich achter deze sokkels hebben verscholen.
Boston Ballet in ‘Cacti’ van Alexander Ekman. Foto door Rosalie O'Connor, met dank aan Boston Ballet.
Met de raciale spanning in Amerika van de afgelopen tijd, kan men niet anders dan dit absorberen als commentaar op hoe de kunsten - in de toegang tot hun creatie, opleiding en kijkerspubliek - deel uitmaken van die noodzakelijke dialoog over ras. Toch bleef het allemaal uit de buurt van te bedwelmend, serieus of bekeringsgericht. 'Het zijn de cactussen,' beweerde de verteller, met veel mogelijke interpretaties, ja, maar gewoon onverwacht en schijnbaar onzinnig genoeg om toeschouwers aan het lachen te maken. Dat alles terzijde, de schoonheid van dansers die langzaam liepen - alsof in een loopmeditatie, bij weinig licht - was adembenemend. De dansers gebruikten vervolgens hun 'ivoren sokkels' om iets te creëren dat leek op de voorkant van een gebouw. Race als constructie? Dus je kunt het vermoeden.
Toch bleef het allemaal luchtig genoeg om de toehoorders niet in een discussie over ras te dompelen. Sleutel in die lichtzinnigheid was een duet met twee dansers, schijnbaar in de repetitie, meer voice-over vertelling bood hun tongue-in-cheek-dialoog aan terwijl ze door bepaalde bewegingszinnen werkten. De twee dansers verzetten zich en vouwden zich net zo natuurlijk in elkaar als lopend. Hun troost in hun partnerschap heeft het publiek waarschijnlijk geholpen zich volledig op hun gemak te voelen - comfortabel genoeg om te lachen. Van amusement, tot ontzag, tot nieuwsgierigheid, tot dieper nadenken, kunst kan het allemaal bieden. En Boston Ballet is een gezelschap dat de openheid en artistieke beheersing heeft om al deze mogelijkheden te verkennen. Het is allemaal eerlijk spel.
Door Kathryn Boland van Dans informeert.
aanbevolen voor jou
