David Hallberg in Pam Tanowitz en Jeremy Jacob's 'David'. Foto door Pam Tanowitz en Jeremy Jacob. 23 november 2020.
Streamen op Youtube
montana tucker leeftijd
Dans heeft soms een voortrekkersrol gespeeld bij sociale verandering en innovatie. Op andere momenten hebben we eerlijk gezegd gezien dat het achterblijft. Soms hebben kunstenaars en bestuurders moeite gehad om een evenwicht te vinden tussen het eren van traditie en het achterlaten van delen van die traditie die ons niet langer dienen. Soms hebben ze dat opmerkelijk goed gedaan. Om een boodschap en een betekenis te hebben die resoneert met de wereld waarin deze zich bevindt, moet dans met die wereld meebewegen. American Ballet Theatre (ABT) is onder meer een bedrijf dat blijk geeft van zijn toewijding om vooruit te gaan met de snel veranderende tijden.
Het is virtueel De toekomst begint vandaag presenteerde vier vooruitstrevende premières van veelgeprezen choreografen, en beschreef ook het nieuwe programma RISE - 'Representation and Inclusion Sustain Excellence' - dat erop gericht is het bedrijf vooruit te helpen met betrekking tot en verantwoording af te leggen aan het werk van representatie en inclusie bij alle niveaus van het bedrijf. Een montage met verschillende stemmen in het ABT-bedrijf en het personeel legde uit welke stappen elk van die mensen binnen dit programma zal nemen - waardoor het allemaal duidelijk en tastbaar is. De premièrewerken toonden ook een hoge mate van bewustzijn van het culturele moment. Het was werk dat tot dat moment kon spreken en daardoor het potentieel had om al het mogelijke te dansen aan de mensen die het meemaakten.
Carlos Gonzalez, Thomas Forster, Katherine Williams en Breanne Granlund in Gemma Bond’s ‘Convivium’. Foto door Matador Content.
De eerste première in het programma was die van Gemma Bond Partij. In haar intro van het stuk vertelde Bond dat ze wilde dat het een feestelijk stuk zou worden, maar ze realiseerde zich dat dit voor zoveel mensen niet gepast voelde in deze tijd van ontbering - dus het stuk ging over de ervaring van de dansers door deze keer. Dat thema kwam tot me door in de relatieve rust en eenzaamheid van het stuk. Een instrumentaal stuk leek niet meer dan twee instrumenten tegelijk te spelen, en de vier dansers konden binnen deze tijd worden gezien als het geheel van iemands persoonlijke sociale kring. Solo-secties hadden zelfs meer opwinding en turbulentie, beweging snel en dynamisch. Dit deed me de momenten voor de geest komen dat we zeggen dat we in orde zijn voor anderen, maar in onszelf kwellen of onze interne worstelingen alleen onthullen aan degenen die het dichtst bij ons staan.
De tonale en stilistische reeks secties die later kwamen, compliceerde dat idee voor mij, maar Bond schilderde in plaats daarvan, of ook, een beeld van de complexiteit van gedachten en emoties door deze volledig onvoorspelbare en uitdagende tijd. Over het algemeen zou ik de beweging niet identificeren als klassieke of eigentijdse golvingen van de wervelkolom en het loslaten in de zwaartekracht markeringen waren van een eigentijdse esthetiek, terwijl lange lijnen en klassieke liften het classicisme weerspiegelden. De suggestieve esthetiek scheen ook door het werk - een grijze kwaliteit door zwart-witfilm en kostuums in grijs, zwart en wit - waardoor het grijze gevoel van deze tijd in onze wereld visueel en dus tastbaarder werd.
De volgende première was die van Christopher Rudd Raak aan Rudd onthulde in zijn inleiding hoe het een expliciet schilderij is in de dans van homoliefde, waar veel mensen in onze samenleving zichzelf als tolerant voor beschouwen, maar een intolerante reactie hebben als ze het voor zich zien. De twee dansers traden op op een Spartaans podium - alleen Marley en basisverlichting, een treurige instrumentale score die hen begeleidde. Ze dansten soms met een gevoel van een zwaar gewicht, een gewicht als dat van marginalisering en ongehoord zijn.
Calvin Royal III en João Menegussi in Christopher Rudd’s ‘Touché’. Foto door Matador Content.
Liften en overgangsbewegingen tussen hen waren opvallend innovatief en gedenkwaardig, hun lichamen waren verward en ontward op geheel onverwachte en totaal nooit eerder vertoonde manieren. Rudd en de dansers leken alle beschikbare manipulaties van de natuurwetten van de aarde te hebben verzameld om die mogelijk te maken. Het dansen vertraagde en werd tegen het einde van het werk nog teder en intiemer. In elkaars armen zweefden en gleden ze. Alles voelde mogelijk door de kracht van liefde.
Later kwam David door Pam Tanowitz en gedanst door voormalig ABT-directeur David Hallberg. De ontwerpkeuzes van Tanowitz zorgden voor een sfeer van middeleeuwse elegantie, in het huis van Hallberg en in de structuur op het water - toen hij een gestreept kostuum droeg, dat een weerspiegeling was van die van ridders van weleer. De opnamen wisselden af tussen de twee locaties, de verlichting helder en etherisch in beide. In beide was er een gevoel van buitenaardsheid. Toch baseerden voetgangersbewegingen op de waterstructuur en alledaagse handelingen in zijn huis het op het onopvallende.
Er was ook een metakwaliteit omdat hij fysiek en mentaal beweging kenmerkte, en we zagen zelfs diagrammen van choreografisch werk - allemaal erg intrigerend en geworteld in het alledaagse. Er was een spanning tussen de magie van performance en het levensechte bestaan van de danser. Buitenaardsheid kwam ook tot uiting in Hallberg als beweger, zijn lijnen waren lang en soepel en elke beweging even moeiteloos als ademen, de beweging ook eenvoudig maar resonerend. Hij bezat ook een nederigheid en hoffelijkheid in zijn aanwezigheid die hem als een echt mens aan de grond legden. Deze dynamiek resoneerde als een andere spanning van tegenstellingen.
De metafoor van David als David , Michelangelo's iconische sculptuur, was ook resonant. Hallbergs lichaam stond als een vat voor meesterlijke kunst, de klei waar Tanowitz leven in heeft geblazen, maar in de film zagen we Hallberg ook als volledig mens. Op een gegeven moment keek Hallberg naar een foto van David in een koffietafelboek, waarbij de metafoor wordt verplaatst naar net niet expliciet. Toen het werk eindigde, kwamen filosofische en praktische vragen over danskunst, dansers en een leven in de dans in mijn achterhoofd op, maar mijn geest verheugde zich ook gewoon in de aangeboden kunst.
Amy Carter vandaag
Betsy McBride en Jacob Clerico in het ‘Indestructible Light’ van Darrell Grand Moultrie. Foto door Dancing Camera.
Darrell Grand Moultrie's Onverwoestbaar licht sloot de premieavond af met een vrolijke, levendige knal. Jazzmuziek en jazzdansflecties creëerden een vrolijke sfeer. Het voelde alsof het onmogelijk was om niet te glimlachen en je lichaam een beetje te bewegen terwijl je ernaar keek. Een levendig groepsgedeelte begon met het werk. Een cirkelvorming bouwde een gevoel van continuïteit en gemeenschap op, van samen vooruitgaan. Dat verhuisde naar een regel die me iets meer presentatiever en zelfverzekerder deed denken. Jazzdanskwaliteiten die in de klassieke ballettechniek werden gemasseerd, zoals het rollen van heupen als voeten bewogen op demi-pointe tussen arabesken en pirouettes, was een ongelooflijk aangenaam effect - zowel visueel als energetisch.
In deze tijd was het ook gewoon geweldig om dansers op een podium te zien, vakkundig verlicht en uit elkaar geplaatst in hun formaties. De kostuums, in donkere kleuren en gewaagde maar soepele snitten, hadden het gevoel van een gemoderniseerde speakeasy kwaliteit uit de jaren 1920 - Chicago maar zonder de opzettelijke raunch. Het camerawerk was net zo leuk, creatief en technisch verantwoord als het dansen. Het gedeelte eindigde met de dansers die in en uit de vleugels kwamen en zwaaiden terwijl ze bewogen, een aanraking die me eraan herinnerde dat we nooit te oud zijn om speels te zijn.
Het volgende deel van vier dansers was zwoeler. Het kostte me een minuut om te beseffen dat ze backstage waren, tegen een lange en hoge donkergroene muur. De beweging speelde de tweedimensionale kwaliteit van de muur vrij goed af, ze keken rechtstreeks naar de voorkant of zijkant terwijl ze heupen rolden, golvende stekels en tegen elkaar poseerden. Dat gedeelte verschoof naar een teder en langzamer gedeelte, beginnend met een solo en eindigend in een duet. De muziek en beweging waren langzamer en meer nadenkend van kwaliteit, maar de beweging was niet minder dynamisch en gedenkwaardig.
Over het algemeen voelde het emotionele bereik van het stuk waarheidsgetrouw, eerlijk en esthetisch bevredigend aan. De volledige cast eindigde de sectie, net zo vrolijk en energiek als ze aan het stuk begonnen. Hun licht was inderdaad onverwoestbaar! Daarnaast introduceerde Moultrie het stuk met een aanmoediging voor ons allemaal om samen aan verandering te werken. Zijn werk bevestigde de waarheid dat het niet alleen mogelijk is, maar ook heel bevredigend kan zijn en pret voor ons om dat te doen. De premieavond weerspiegelde die waarheid en maakte duidelijk dat we samen, met bedachtzaamheid en toewijding, samen vooruit kunnen gaan - en het kan een geweldige tijd zijn!
Door Kathryn Boland van Dans informeert.
aladdin nationale tour
