Hee Seo in 'Garden Blue' van Jessica Lang. Foto door Rosalie O'Connor. David H. Koch Theater, New York, NY.
23 oktober 2019.
Bewegen, liefhebben, eten, slapen - er zijn acties die altijd fundamenteel zijn geweest voor het mens zijn. We doen ze echter allemaal op verschillende manieren, en dat hebben we door de eeuwen heen ook gedaan. Dans - visceraal, verhalend of niet-verhalend, eindeloos esthetisch aanpasbaar - kan deze ervaringen een spiegel geven, zodat we een stap terug kunnen doen en ze echt kunnen zien. American Ballet Theatre (ABT) presenteerde in dit programma werken van drie verschillende choreografen, die allemaal een andere kijk op die fundamentele aspecten van het mens-zijn toonden, vanuit verschillende plaatsen op de menselijke tijdlijn, allemaal in beweging. Het resultaat was esthetisch en conceptueel betekenisvol, zowel prikkelend als plezierig.
James B. Whiteside's Nieuwe Amerikaanse romantiek was vol vreugde, speelsheid en esthetische harmonie. Whiteside is een ABT-directeur die begint met het opbouwen van een choreografisch portfolio en een unieke stem. Het werk ging voor het eerst in première op het Vail Dance Festival 2019 (Vail, CO). Er was iets heel moderns aan zijn gevoeligheid, maar ook iets heel klassieks. De balans tussen de twee sprak over vooruitgaan in de wereld, maar ook vasthouden aan fundamentele waarheden van de wereld en onszelf daarin (individueel en in relaties met elkaar).
ABT in 'New American Romance' van James B. Whiteside. Foto door Rosalie O'Connor.
Het gordijn ging omhoog en een kleurenpalet van lavendel en blauw gaf me meteen een vrediger en contemplatiever gevoel. De groep groeide terwijl dansers het podium op renden, totdat ze een formatie bereikten met dansers die naar voren gericht waren en aandachtig naar voren staarden. Ze hieven hun armen naar de vijfde en haut - eenvoudig, duidelijk, vastberaden. De groep loste op en een pas de deux stond centraal. Een mooie harmonie van muziek en beweging speelde zich af, zoals het gracieus uitstrekken van een voorbeen in een lift terwijl de muzieknoot precies zo ontrafelde.
Verdere secties kwamen en gingen, soms het gevoel dat ze dat een beetje snel deden, soms als ik in een sectie wat langer bleef hangen, kan de energie ervan opbouwen en voor het publiek om het te leren kennen en er een beetje meer van te genieten. Toch hielp deze snelle verschuiving ook om het thema en de energie op te bouwen van het illustreren van de jonge, rusteloze en levendige mensen. Whiteside vormde een prachtig canon en contrast van niveaus om dat dynamische gevoel te bevorderen.
Een gedenkwaardig trio van ballerina's in het bijzonder bood deze elementen aan, met een halve draai - been 45 graden omhoog en voorwaarts gestrekt - gedanst door de drie op drie verschillende tellen, en later een aangename pose die een paar tellen werd vastgehouden met hen op laag, midden, en hoge niveaus. Gebaren brachten bovendien een gevoel van eenheid. Ballerina's hielden elkaars hand vast terwijl ze lage piqué arabesken uitvoerden, en kruisten samen de polsen van het vasthouden van armen in de vijfde en hoge.
Ook het bouwen op verschillende punten waren verschillende stemmingen, van kwaliteiten van de muziek, beweging en de theatraliteit van dansers. De solo van een ballerina bood iets meer pit en brutaliteit dan het werk eerder had opgeleverd. Een trio met twee dansers en een ballerina was zachter en wat contemplatiever. Drie dansers betraden het podium om hun bravoure en krachtig zelfvertrouwen te tonen. Al deze verschillende stemmingen en standpunten creëerden een venster op de verschillende manieren waarop mensen in zichzelf en samen kunnen zijn, zich in de ruimte kunnen bewegen. Om te eindigen, een grotere groep verzamelde zich in een cirkelvorm, wat de soepele werking van een harmonieus systeem oproept, zelfs met al deze afzonderlijke individuele en collectieve manieren van zijn - verleden, heden en toekomst. Het voelde allemaal hoopvol en opbeurend.
bella klasse
Jessica Lang's werk, Tuin blauw , gevolgd. In veel opzichten - esthetisch, energetisch, conceptueel - voelde het als een schilderij van Salvador Dali dat in dans tot leven werd gebracht. Onderdeel van ABT's Women’s Actie ment, een programma om opkomende vrouwelijke choreografen te koesteren, ging het werk in première op 19 oktober 2018. Wat me als eerste opviel waren langwerpige vormen die zowel op het podium rustten als overvliegen (decorontwerp door Sarah Crowner). Iets hierover sprak me aan over de smeltende klokken in het iconische werk van Dali. De achtergrond in groen, blauw en wit sprak me van de natuur.
Dansers droegen unitards van alle verschillende kleuren, wat bijdroeg aan het bouwen van een veelzijdig kleurenpalet. Een regenboog danste over het podium in grotere groepssecties met dansers erover verspreid. Ze trokken door de ruimte en liepen met verschillende snelheden. Ze begonnen toen te bewegen met een meer technische stilering - in het klassieke bewegingsvocabulaire, maar met melige, 'ooyey-kleverige' verschuivingen door de romp die doet denken aan een meer eigentijds bewegingsidioom.
Bij het bekijken van deze beweging dacht ik aan de kromlijnige streken in hedendaagse schilderijen. Excentrische vormen kregen een intrigerende asymmetrie. Arm- en beenverlengingen raken op verleidelijke manieren muzikale accenten. Armen slaan halverwege en helemaal omhoog, samen met muzieknoten. Een danseres laat zijn zittende partner ronddraaien, met opgeheven tenen, terwijl een langere noot wordt gespeeld.
Of het nu allemaal in koor of in kleinere koorgroepen was, de dansers hielden het toneelbeeld op dynamische manieren in beweging.
Onderdeel van deze dynamische actie was ook hoe dansers die langwerpige decorstukken van tijd tot tijd verplaatsten om een nieuw decorontwerp te creëren - en daarin een nieuw visueel en energetisch gevoel. Een ander onderdeel van de dynamische actie hier was hoe timing en kwaliteit zouden verschuiven, samen met tonale en temporele verschuivingen in de muziek.
Binnen deze verschuivingen begonnen dansers persoonlijkheden aan te nemen en hun eigen karakters te worden. Kleine theatrale momenten begonnen zich af te spelen. Een van deze dansers droeg zowel witte als andere kleuren, wat voor mij een integratie betekende van de kwaliteiten van deze andere personages. Hoewel er momenten van spanning waren die eraan voorafgingen, bracht het einde harmonie en eenheid binnen de groep - de integratie van dit personage speelde zich af in tijd en ruimte. De esthetische en energetische en esthetische parallellen met Dali's werk bonden het werk voor mij aan een post-wereldoorlogen moderne tijd, maar aspecten ervan waren ongetwijfeld tijdloos. Die tijdspecifieke, maar toch vloeiende kwaliteit lijkt mij een kwaliteit van grote kunstspecificiteit te zijn, maakt het echt, en vloeibaarheid zorgt ervoor dat het universeler toepasbaar is.
Gemma Bond's Er was een tijd bracht ons terug naar de middeleeuwen, maar als we ernaar zouden kijken door een modern getinte bril. Kostuums waren in aardetinten, in middeleeuwse stijl maar met eigentijdse accenten. Verlichting had een bijpassende aardetint, zoals het licht van de late namiddag in de herfst. De partituur van Benjamin Britten weergalmde de ritmes en tonen die we associëren met de middeleeuwen, zoals een harmonie van een klavecimbel - maar toch drong het modernisme door in bepaalde atonale verbuigingen en vergelijkbare meer eigentijdse elementen.
100 dansers
Cassandra Trenary en Cory Stearns in Gemma Bond’s ‘A Time There Was’. Foto door Rosalie O'Connor.
Net als in de vorige twee werken, vormden verschuivingen in energetische en esthetische kwaliteiten sfeer en stemming - met duidelijkheid en intriges. Een dramatische, grote opening loste bijvoorbeeld op in iets zachter als het gevoel voor een reeks kleinere groepen. Karakters begonnen zich te ontwikkelen door theatrale momenten, ook zoals in het eerdere werk. Gebaren hielpen bij het creëren van deze momenten, terwijl meer technisch 'grote' en traditionele bewegingen - zoals uitgestrekte liften die soepel in de vloer rolden of landen in een prachtig opgetilde arabesk - de dynamische energie en visuele intriges in stand hielden.
Toch vond ik dit werk minder bij me resoneren dan de vorige twee werken. Misschien deed de specificiteit in de tijd eigenlijk afbreuk aan mijn ervaring ervan, misschien vond ik het vreemd genoeg leuk om de lege plekken in te vullen in plaats van de volledige tekst te geven. Interessant genoeg leek het einde van Bond tijd te bieden voor een dergelijke contemplatie over iemands persoonlijke interpretatie die de dansers een voor een verlieten, maar toch bleef het podium verlicht en viel het gordijn.
Met wat zou onze geest het stadium op dat punt kunnen vullen, gekleurd door ons perspectief op wat daar net was gebeurd? Hoe kunnen die perspectieven zich verhouden tot wat we ons voorstellen van de personages die we net hebben ontmoet, en hoeveel voor onszelf - en de overeenkomsten tussen de twee? Dans in de ruimte, in de tijd - verleden, heden en toekomst - kan ons tot een dergelijke reflectie brengen, vaak over de dingen die ons menselijk maken. Het programma van ABT op deze avond maakte deze waarheid onmiskenbaar.
Door Kathryn Boland van Dans informeert.
aanbevolen voor jou
