Boston Ballet in de 'Bach Cellosuites' van Jorma Elo. Foto door Rosalie O'Connor, met dank aan Boston Ballet. Operagebouw van Boston, Boston, Massachusetts.
10 maart 2018.
Een opvallend aspect van dans kan zijn dat sommige dingen optische illusie zijn, en dat sommige dingen feitelijk fysiek gebeuren met lichamen in de ruimte. Het geestesoog associeert bewegingen en formaties met acties en beelden die we kennen uit het leven. Op andere momenten valt het ons op hoe echt - hoe moeilijk het ook lijkt - wat dansers doen kan zijn en voelen. Samen met het opvallende gebruik van geluid / muziek, verlichting, kostuums en structuur, was dit alles aanwezig in de driedelige factuur van Boston Ballet Onderdelen in Suite.
Boston Ballet in de ‘Bach Cellosuites’ van Jorma Elo. Foto door Rosalie O'Connor, met dank aan Boston Ballet.
Het openen van de avond was Bach cellosuites, een wereldpremière van Resident Choreograaf Jorma Elo. Een minimalistisch gevoel was meteen voelbaar, met een cellist die upstage links speelde en een groot, geometrisch decorstuk erboven hing. Een solist trad binnen, gestaag vergezeld door meer dansers. Sierlijk, maar sterk, samenwerkten ze met motieven zoals dansers die met voeten en benen over de vloer scheren om vervolgens hoger te worden opgetild.
heeft amandelmelk fosfor?
Andere bewegingen werden op dezelfde manier afgeleid van het klassieke mandaat, zoals met eigenzinnige shakes en spiertrekkingen. Samen met deze kwaliteit waren er lage extensies en enkele, in plaats van meerdere pirouettes. Elo pushte niet altijd naar 100 procent, waardoor 100 procent meer betekende als het kwam. Al deze choreografische keuzes leken in dienst te staan van harmonie met de muziek. Als de noten beweging werden, zouden ze zijn wat er op het podium stond. De dansers belichaamden deze metaforische illusie volledig, wat ze ook zo tastbaar echt maakten.
Veranderingen in de verlichting (door ontwerper John Cuff) en de beweging van dat bovenliggende decorstuk (elkaar kruisende lijnen van metaal, scenisch ontwerp door Boston Ballet artistiek directeur Mikko Nissinen) wekten ook mijn visuele interesse. Ballerina's droegen zwarte maillots en witte panty's, en dansers droegen helemaal zwart. Dit esthetische minimalisme bood een structuur om de diepere complexiteit in de beweging vollediger op te nemen en te waarderen. Canon zou zich overmatig gebruikt kunnen gaan voelen, maar misschien was dat veelvuldig gebruik een opzettelijke weerspiegeling van het repetitieve, meditatieve gevoel van de muziek.
robbie van jessie
Om te eindigen stonden twee dansers loodrecht van elkaar - de ene midden in het podium, de andere rechts beneden. Ze keken naar buiten, niet naar elkaar. De gordijnen vielen. Dit einde zou kunnen worden geïnterpreteerd als existentieel somber - een afbeelding van isolatie in ons eigen bewustzijn. In een hoopvollere kijk keken de dansers ondanks dat isolement moedig naar de toekomst in een geest van ruig individualisme. Net als bij zowel optische illusies als de realiteit, kan de perceptie die we naar de interpretatie brengen het verschil maken.
Lawrence Rines en Boston Ballet in Justin Pecks ‘In Creases’. Foto door Rosalie O'Connor, met dank aan Boston Ballet.
In nogal een stilistische verschuiving, het tweede stuk - dat van Justin Peck In plooien begon met een echte knal. De lichten waren helder en goudkleurig, de muziek raasde en de dansers voerden een pittige choreografie uit. In een gelijkenis met het vorige stuk zorgden twee pianospelers op een tweezijdige, gigantische piano voor een live score. Er was snel een gevoel van orde versus chaos: heldere cirkels opgelost in ondefinieerbare vormen, terug naar een cirkel en weer terug naar oplossen. Jazzy bewegingen, zoals parallelle bochten, deden hun intrede. In één zin maakten dansers L-vormige armen in jazzstijl - waarbij het ene deel van de L naar buiten en vervolgens het andere uitstrekte - terwijl ze in diepe plié liepen, in een schuine lijnformatie.
jillian mele leeftijd
Andere uitdrukkingen waren meer openlijk klassiek - kruisende lijnen waarin ballerina's in één lijn straaldendoor een rij danseurs, om ze op reis te laten gaankleine allegrostapt door de ballerina's, om dan de ballerina's te hebbensprong opengegooid torendoor de dansers. Binnen dit klassieke vocabulaire was er minder conventionele formatie-vorming, die dwingende visuele illusies creëerde. Als één sloegen ze de handen ineen en tolden uit een cirkel in een lijn. Tegelijkertijd werd een solist solideslagroombochten, waardoor de illusie werd gewekt dat haar beurten het uiteenvallen van de cirkel veroorzaakten.
Als een ander werkte dezelfde solist samen om te draaien met één been naar voren gestrekt, dansers in een cirkel onder haar hand in hand en hun armen laten zakken om haar been zonder belemmering te laten ronddraaien. De dansers in de cirkel stemden de timing hiervan zo af dat het leek alsof het been van de draaiende danser op natuurlijke wijze de golfbeweging van de neergaande armen in de cirkel voortstuwde, net zo natuurlijk als de zwaartekracht een voorwerp laat vallen. In deze aspecten was het stuk het meest plezierig en succesvol.
De combinatie van esthetische elementen was minder succesvolle blauwe en witte kostuums en felle verlichting bood een vredige, elegante sfeer die niet strookte met het gespannen, bijna agressieve gevoel van de muziek en beweging. Misschien was deze nevenschikking opzettelijk, als een postmoderne verzet tegen de noodzaak om harmonie in dergelijke elementen te creëren. Het lijkt erop dat Peck ook van veel Elo kan leren over de waarde van het soms terughouden van volledige virtuositeit, zodat het meer kan betekenen als het aanwezig is. Desalniettemin bracht het einde een hoopvol gevoel van progressie teweeg. De dansers liepen weg met opgeheven kin terwijl ze fier en aandachtig naar buiten staarden.
John Lam Misa Kuranaga en Isaac Akiba in William Forsythe’s ‘Pas / Parts 2018’. Foto door Rosalie O'Connor, met dank aan Boston Ballet.
Toen het gordijn openging voor het derde stuk, dat van William Forsythe Pas / Parts 2018 , Begreep ik ineens waarom de pauze aan de lange kant was. De set was een unieke, indrukwekkende structuur van twee bijna plafondhoge witte muren. Een solo van Chyrstyn Fentroy opende het werk. Ze bewoog zich met een elastische kwaliteit - buigzaam, maar toch onwankelbaar sterk, en met genuanceerde strekking in de tijd van haar beweging. Een ander snel merkbaar esthetisch effect was haar tweekleurige turnpakje - een andere kleur aan de achterkant en aan de voorkant - zodat er een opvallend caleidoscoopeffect was toen ze zich omdraaide.
Dit effect ging door het hele stuk, met elke ballerina in een vergelijkbaar tweekleurig turnpakje. Forsythe had dit caleidoscoopeffect verder kunnen pushen met meer beurten. Toch voelde dat misschien niet in overeenstemming met de beweging van het stuk. Hoewel deze beweging een technische basis had, wordt deze het best gekenmerkt door onamonapeia: pop-pang-pow, swish-swoop-swipe! De ene beweging vloeide over in de volgende, zodat de technische basis minder betekenisvol werd, een middel voor een mooi doel.
Andere bewegingen waren langzamer en meer gedefinieerd, met name (en misschien noodzakelijkerwijs) liften en effecten daarin. In een bijzonder gedenkwaardige lift tilden twee danseurs een ballerina onder haar oksels terwijl ze met schaarbeweging haar benen opende en sloot, gevolgd door kleinere wissels van haar benen, terwijl het trio de geënsceneerde verliet. Dit alles gebeurde via verschillende solo's, duetten, trio's, ensemblesecties en verschillende andere groeperingen. Ik vond het bemoedigend om te zien dat elke danser in het programma voor zijn / haar sectie werd gecrediteerd (hoewel het best moeilijk kan zijn om mee te gaan in het donkere theater).
savannah montano vriendje
Een ander gedenkwaardig moment was dat het hele ensemble plotseling pauzeerde, terwijl een solist in het midden van het podium zich omdraaide en door complex voetenwerk sijpelde. De kwalitatieve verschuiving van de vorige ensemblesectie, van deze verandering van veel naar één dansen, was echt boeiend. Ook boeiend was het algehele futuristische gevoel van het werk.
Daarnaast was elektronische muziek de partituur van het stuk, zeker niet typisch voor ballet. Forsythe is niet bang om deze grenzen te verleggen. Ik ben zo blij dat hij dat niet is. Het zijn makers zoals hij, in elke kunstvorm, die kunst vooruit helpen. Trouwens, Elo en Peck zijn bij hem in die categorie. Min of meer succesvol, ze zijn niet bang om naar voren te brengen wat ze naar voren moeten brengen - in de kunstgreep en de zeer reële aard van wat er op het podium gebeurt.
Door Kathryn Boland van Dans informeert.
aanbevolen voor jou
