Abraham.In.Motion. Foto door Christopher Duggan. Het Joyce Theatre, New York, NY.
15 oktober 2019.
Abraham.In.Motion (A.I.M.) van Kyle Abraham wil 'een suggestief interdisciplinair oeuvre creëren' en 'een representatie zijn van dansers uit verschillende disciplines en met verschillende persoonlijke achtergronden.' Het programma van het bedrijf in The Joyce Theatre bevestigde deze essentiële componenten van zijn missie: eclecticisme en samenwerking. Beide komen voort uit - en bovendien, de behoefte om te bloeien - een houding van openheid voor het delen en overwegen van andere perspectieven. Zo'n geest en benadering van werken lijkt springlevend bij A.I.M., gezien deze eclectische werken die gebaseerd zijn op samenwerkingsmethoden.
Grote ringen , een wereldpremière gechoreografeerd door Keerati Jinakunwiphat, opende het programma. Beweging - in formatie en op lichaamsniveau - weerspiegelde die van basketbalspelers die geleidelijk in lijnen over het podium bewogen, laag en hoog reikend, alsof ze boren, dribbelen en schieten. Geluiden van schurende gereflecteerde sneakers op de baan. Verlichting (door Dan Scully) riep een spel of oefening 's avonds laat op, dramatisch laag en verlichtte de dansers vanaf de zijkant.
Sprongen en gebaren waren gebaseerd op het hedendaagse en hiphop-vocabulaire, maar hadden ook een voetgangers tintje. Deze kwaliteit maakte de dansers menselijk en hielp het basketbalthema te valideren. Er zou meer technische beweging komen, zelfs een opvallende samenwerking - zoals een danseres die haar heupen omdraait om een voet op de grond te raken terwijl haar partner de andere vasthoudt. Esthetische effecten zouden ook gevarieerder en complexer worden, zoals een sectie met de dansers van achteren verlicht - en dus in silhouet.
Ogenschijnlijk geïmproviseerde secties zouden ook komen, terwijl de beweging ervoor in het stuk - in koor en in afzonderlijke groepen tegelijk aan het dansen - leek te zijn ingesteld. Jinakunwiphat bood verschillende manieren waarop een groep dansers zich op een podium kan bewegen, afzonderlijk en samen. Dit alles bracht een gevoel van dynamische energie en harmonie tussen groepen met zich mee. De songteksten tegen het einde zeiden: 'Ik ben goed', terwijl de dansers met een gemakkelijke groove bewogen. De beweging en formaties in deze laatste sectie (en andere) weerspiegelden weliswaar oppositie - maar toch was hier een functioneel, harmonieus systeem aan het werk. Ze leken allemaal in staat om naar waarheid te zeggen: 'Ik ben goed'. De beweging van Jinakunwiphat weerspiegelde diverse bewegingsvormen en inspiraties, uitgevoerd door Abrahams veelzijdige dansers: eclecticisme en samenwerking in actie.
Toon pony , gechoreografeerd door Abraham en gedanst door Marcella Lewis, volgde. Het straalde ook een gemakkelijke afkoeling uit, evenals de trots en het vertrouwen van de danseres in haar eigen huid. Lewis droeg een gouden unitard (Costume Design door Fritz Masten), die precies goed scheen tegen het geel / oranje licht (Lighting Design by Scully), de kleuren contrasteerden allemaal perfect, maar kwamen ook op de een of andere manier harmonieus samen. Lewis bewoog zich met een soort sass, een ingehouden die leek te zeggen dat ze absoluut niets te bewijzen had.
Ze boog haar knieën, grondeerde diep, maar reikte ook ver buiten zichzelf met soepel strekkende ledematen. Ze verkende verschillende niveaus en bewoog zich assertief en onbevreesd door de ruimte. Gebaren die een marionet lijken na te bootsen, en voetenwerk van de beweging van een trots paard, bevorderden zowel het thema van het werk als het vocabulaire van de hiphopbeweging. Toch weerspiegelden die vloeiende uitbreidingen en bewegingsgedeelten op de vloer het hedendaagse bewegingsvocabulaire.
mickey gall netto waarde
Dit werk demonstreerde het vermogen van Abraham om dergelijke verschillende bewegings-idiomen naadloos te combineren, een bekwaam en meeslepend eclecticisme. Op bepaalde punten kwam ik bij me op aan het citaat van Doris Humphrey dat alle dansen te lang waren. Ik vroeg me af of het werk met tachtig procent van zijn lengte meer impact zou hebben gehad. Werken die solo's zijn, spelen een rol bij deze vraag, geloof ik. Maar over het algemeen was het werk gedenkwaardig en aangenaam om mee te maken.
Na dit werk kwam Trisha Brown's Gewoon Olos (overgenomen door Cecily Campbell en Stuart Shugg), een werk van postmoderne bewegingsingrediënten en gevormd door postmoderne processen. Tot een eindje van stilte (afgezien van hun eigen adem en schurende voeten) bogen dansers hun hoofd om hun ruggengraat te laten volgen, gaande van zittend naar liggend. Ze brachten een elleboog in een zij, de andere arm leidde hen naar zijwaarts met de ruggengraat plat, die elleboog leidde vervolgens zijn arm om samen met de andere arm naar voren te reiken - geaccentueerd maar toch met een gladheid die alle bewegingen gelederd. Dit alles dansten ze aanvankelijk in koor.
Vervolgens gaf iemand hen via de luidspreker instructies zoals 'achteruit' en 'tak'. Er was hier dus schijnbaar een element van improvisatie, de dansers wisten niet welke instructies wanneer zouden komen. Ze waren indrukwekkend op het gebied van taken en scherp, ondanks deze onverwachte aard van wat ze vervolgens uit persoonlijke ervaring zouden worden gevraagd, ik kan zeggen dat bewegingsveranderingen zoals retrograden vrij moeilijk zijn om iemands brein en lichaam rond te wikkelen. In zekere zin is dit een element van de virtuositeit van een postmoderne danser. DOEL. dansers daarin toonden hun veelzijdigheid hier, en het grotere gezelschap zijn eclectische geest door de opname van zo'n zeker postmodern werk (je zou redelijkerwijs kunnen beweren dat we ons nu in een 'post-postmodern' tijdperk in dans en in de bredere kunsten bevinden) . Tot slot zei de luidsprekerstem: 'we gaan door.' Dit voelde als een venster op de realiteit van een danskunstenaar, hoe ze veel, veel langer aan een werk werken dan het zelf duurt in de tijd.
Studies over een afscheid was een choreografische samenwerking tussen Abraham en de dansers van zijn gezelschap. Zoals meestal het geval is wanneer choreografen op deze manier werken (en dus een voordeel hiervan), leek beweging de sterke punten en individuele bewegingsstijlen van de dansers te weerspiegelen. Verschillende groepen dansers die op verschillende manieren oplosten, keer op keer in een werk, weerspiegelden de overvloed aan stemmingen en energieën die afscheid kan weerspiegelen - allemaal met een soort spanning of verdriet, maar deze situaties zijn zelden gemakkelijk of aangenaam. Het einde was bijzonder krachtig: een danseres stond alleen op het podium en keek de ruimte rond. Deze vraag kwam bij mij op: wat blijft er over na een afscheid, in en om jezelf heen?
Cocon , gechoreografeerd en gedanst door Abraham, riep op tot een samenwerking van dans en live zang. De nuances in zijn beweging kwamen overeen met de nuances in de meerstemmige vocale harmonie. In alles - en vooral in Abrahams gegronde, maar op de een of andere manier ook ambitieuze, hoopvolle bewegingskwaliteit - was gevoel voor gevoel en vrijgevigheid van geest. Deze lagen in hun creatieve aanbod, en in de creativiteit zelf, voelden aan als een soort 'cocon' - omhullend en beschut door zelftransformatie en groei. Deze artiesten die samen optraden en uitblonken in hun afzonderlijke kunstvormen, leken deze 'cocon' mogelijk te maken.
Het einde van de avond was As , gedanst door Misty Copeland en gechoreografeerd door Abraham in samenwerking met Copeland. Ik had niet verwacht dat ik die avond het balleticoon Copeland zou zien dansen. Het werk was een voorbeeld van zowel samenwerking als eclecticisme, door zijn gezamenlijke choreografische benadering en (waarschijnlijk resulterend) hedendaags balletbewegingstaal. Wat me het meest gedenkwaardig was in het werk, was Copelands aanwezigheid en timing, in plaats van grote bewegingstrucs. Ze is een virtuoze danseres, maar dit werk leek erop gericht te benadrukken wat er is als je de hoge niveaus van virtuositeit weghaalt.
Een grimmig grijs kleurenschema, Copeland's prachtig vloeiende korte tuniek in die kleur (kostuumontwerp door Harriet Jung en Reid Bartelme), leek dat spaarzame gevoel te weerspiegelen. Wat blijft er in de as achter nadat het vuur helder en heet brandt? Stukjes virtuoze brandende vlammen likten nog af en toe op, zoals bij snel voetenwerk en hoogvliegende sprongen. Als een hartslag, de score ( Aanval / overgang door Alva Noto en Ryuichi Sakamoto met Ensemble Modern) voelden een weerspiegeling van de voortdurende resonantie van haar beweging (zowel die van virtuoze als meer gebaren, interne beweging). Zoals alle werken in het programma die avond, As demonstreerde de creatieve beloning die mogelijk is wanneer artiesten enthousiast openstaan voor alternatieve manieren van maken en diverse mensen om mee te maken.
Door Kathryn Boland van Dans informeert.
aanbevolen voor jou
